Título original: ‘Zodiac’. Año: 2007. Duración: 151 min. País: Estados Unidos. Director: David Fincher. Guión: James Vanderbilt. Fotografía: Harris Savides. Música: Howard Shore. Reparto: Jake Gyllenhaal, Robert Downey Jr., Mark Ruffalo, Anthony Edwards, Chloë Sevigny. Productora: Warner Bros. Pictures. Género: Thriller. Estreno (Estados Unidos): 02/03/2007. Estreno (España): 18/05/2007.

Durante finales de los 60 a principios de los 70, la ciudad de San Francisco y alrededores vivió atemorizada por culpa de un asesino en serie que se hacía llamar Zodiac, un hombre que, tras matar a sus víctimas a sangre fría, enviaba cartas a los periódicos demostrando la autoría de los hechos. A día de hoy sigue sin saberse de manera concluyente la identidad del asesino. Existen varias adaptaciones cinematográficas y documentales sobre los crímenes del asesino del Zodiaco. En 2007, David Fincher dirigió una versión de lo sucedido basándose en las investigaciones policiales y adaptando la novela ‘Zodiac’ de Robert Graysmith, que fue dibujante del periódico San Francisco Chronicle y que en la película lo interpreta Jake Gyllenhaal.

No resulta sorprendente que Fincher decidiera rodar ‘Zodiac’, un thriller con bastantes paralelismos con la que probablemente sea su mejor película, ‘Seven’. Ambas cuentan con asesinos en serie inteligentes que apenas dejan pistas de su identidad, en el caso de ‘Seven’, los crímenes estaban planeados y se relacionaban con los siete pecados capitales, mientras que en el caso de ‘Zodiac’ no parece seguir ningún patrón en sus víctimas, pero la gran diferencia es su afán de protagonismo al mandar cartas y códigos cifrados a diferentes periódicos para darse a conocer y poder sembrar el miedo a la gente. Es interesante los diferentes puntos de vistas en los que se narran los hechos: el periodístico, con los personajes de Paul Every y Robert Graysmith, y el policiaco, con los inspectores David Toschi y William Armstrong a la cabeza de la investigación. Todos los bandos buscan descubrir quien se esconde detrás de ese asesino que se burla de la policía y que acaba convertido en un todo fenómeno mediático (en la propia película se muestra como en ‘Harry el sucio’ hacen una referencia, cambiándole al nombre, al asesino).

‘Zodiac’ es una película muy bien documentada, detallista en las investigaciones policiales y que consigue aprovechar el juego que da el propio asesino. Al abordar un amplio periodo de tiempo cercano a los 10 años en la mayor parte del metraje, el filme no tiene ningún reparo en extenderse y contar todo el transcurso de los hechos desde los asesinatos, la llegada de las cartas y los códigos cifrados a la prensa y la búsqueda del criminal por parte de la policía y de Every y Graysmith. Tras el paso de los años van apareciendo sospechosos que pese aparentar ser Zodiac según algunas informaciones, se acaban descartando por no tener suficientes pruebas incriminatorias. Durante el paso de los años, cuando el asesino deja de actuar, el caso pierde interés y varias personas que estaban implicadas deciden dejarlo. Graysmith con la ayuda del inspector Toschi son los que, por su cuenta, deciden seguir en la búsqueda del asesino, una investigación que en el caso del ilustrador Greysmith acaba por ser obsesiva y enfermiza hasta dejar de lado a su familia para poder centrar por completo al desenmascaramiento de Zodiac volviendo a repasar los archivos de prensa y policiales y poniéndose en contacto con familiares y conocidos de los sospechosos.

Los thrillers criminalistas suelen identificarse por una atmósfera oscura e inquietante, perfecta para lo que suele ser la filmografía de David Fincher. En ‘Zodiac’ el clasicismo formal del género se une con una narración tan sobria que las escenas de acción, bastante utilizadas en filmes de esta temática, no se echan de menos gracias a un gran trabajo en el guión a cargo de James Vanderbilt, que con la ayuda de las investigaciones policiales y el libro del propio Greysmith, sabe construir una historia interesante y entretenida sin apenas fisuras, más allá de las que tiene los hechos verdaderos.

El desarrollo tan bien tratado de la trama se le une la inconfundible y personalísima dirección de David Fincher, la película de hecho ya comienza con un travelling desde el coche de una de las víctimas del asesino y tampoco falta un plano secuencia aéreo de un taxi de otro de los asesinados. Dentro de ese ambiente incómodo que siempre propone Fincher, ‘Zodiac’ genera una tensión apabullante cuando el asesino aparece en escena, con unos preludios que consiguen producir nerviosismo en el espectador, buenos ejemplos de ello son el primer asesinato en el coche o el que sucede en el lago, escenas que consiguen captar la violencia con las que Zodiac asesinaba. Aspectos técnicos como la fotografía a cargo de Harris Savides (con el que ya había colaborado anteriormente con ‘The game’) y la puesta en escena ambientada principalmente en los años 70 (primera vez que Fincher rodaba un filme en una época determinada y no atemporal) lucen muy bien. El director tiene la suerte de contar con un reparto muy sólido en sus interpretaciones. Jake Gyllenhaal (Robert Graysmith), Mark Ruffalo (Inspector Toschi) y Robert Downey Jr. (Paul Every) son los tres principales protagonistas que buscan con más ganas al asesino. A medida que transcurre el filme y los años, Every pierde importancia y se descuelga de las investigaciones, son Graysmith, con su enferma obcecación llevada al límite y Toschi los que siguen el caso.

Dentro de la notable filmografía de David Fincher, ‘Zodiac’ es probablemente una de sus películas más infravaloradas por el público, la similitud de la temática con ‘Seven’ puede que la perjudicara en su momento. Un filme que con una historia muy potente, un asesino en serie emblemático, unido con el toque de Fincher, consigue ser un pasatiempo de gran calidad y un placer para los amantes del cine de suspense.

Sergio Montesinos

Título original: ‘Dioses y perros’. Año: 2014. Duración: 84 min. País: España. Director: David Marqués, Rafa Montesinos. Guión: David Marqués, Kiko Martínes. Reparto: Hugo Silva, Megan Montaner, Juan Codina, Enrique Arce, Elio González. Productora: Nadie Es Perfecto. Género: Drama. Estreno (España): 10/10/2014.

Aprovechar la complicada situación económica y social que está viviendo España actualmente como telón de fondo es una buena manera de contar historias, las hace creíbles y cercanas. En ‘Dioses y perros’ la acción se traslada en el barrio de Vallecas de Madrid, donde Pasca es un treintañero que gana algo de dinero haciendo de sparring de un boxeador, pero no lo suficiente para poder vivir bien junto a su hermano minusválido al que tiene que cuidar. La llegada a la ciudad de Adela, una joven profesora, le hace cambiar el modo de vida que tenía hasta ahora.

David Marqués (con la colaboración de Rafa Montesinos) se aleja del género de la comedia de sus cuatro películas anteriores para adentrarse en el drama y hacer una crítica social con las dificultades de encontrar trabajo en la actualidad, los efímeros contratos laborales, como el de la profesora que viene a hacer una breve sustitución o la multitud de establecimientos cerrados por culpa de la crisis como algunos de los elementos presentes, ya sea en diálogos o en imágenes, en el filme. Esa realidad existente contextualiza bien la historia y sus personajes, que viven y se adaptan a sus vidas como pueden, pero dicha ambientación no es suficiente en una trama construida a base de tópicos muchas veces vistos: los golpes que da la vida personificados en un ex-boxeador que hace de sparring (que es quien recibe los golpes del luchador); el amigo alcohólico que pasa por un mal momento; el hermano discapacitado al que el protagonista se ve atado y evita que pueda irse del barrio para trabajar fuera o la chica que aparece para modificar su vida son varias de las tramas o subtramas de las que consta la película. Situaciones que no solo son poco originales, sino que pecan de previsibilidad.

Establecidos los clichés y los estereotipos, los personajes principales son lo mejor de la película. Dos personas completamente opuestas: Pasca destaca por su pesimismo, mientras que Adela es todo lo contrario, extremadamente extrovertida, positiva e idealista. La contraposición beneficia a ambos, pero sobre todo a Pasca, para él la aparición de Adela es una vía de escape de su vida y poder hablar, compartir, pero ante todo sincerarse con alguien ajeno a la familia de sus problemas y preocupaciones, una relación que rápidamente se consolida y sirve a modo medicinal. Unos personajes con los que no resulta difícil conectar o incluso verse reflejado.

El guión destaca la diferencia de las dos personalidades y lo aprovecha tanto en los diálogos más emotivos como en los pequeños toques de humor, la mayoría de las veces con el don parlanchín llevado al extremo de la co-protagonista como epicentro.  Si bien el tratamiento de los dos protagonistas es correcto, no se puede decir lo mismo de la gestión del tempo, todo transcurre demasiado precipitado y perjudica seriamente a la película por culpa de un montaje muy irregular que comienza con unos eternos créditos iniciales al más puro estilo videoclipero que no encajan con el tono del filme, para acabar de forma atropellada y fácilmente pronosticable que, juntamente con el reiterativo uso del repertorio musical, estropean y deterioran el resultado final con un metraje que apenas supera los 80 minutos.

El reparto liderado por Hugo Silva y Megan Montaner, conocida principalmente por su papel en la serie ‘Sin identidad’, cumple con sus roles. Silva se aleja de sus típicos papeles de chulo al que el físico y su aspecto estaban por encima de su actuación para hacer el que por ahora es su papel más dramático y a la par, convincente, Montaner aporta el personaje más amable, aunque un poco cargante.

Pese a sus buenas intenciones y su contexto, con la crítica social de fondo y ligeras reminiscencias al cine de Fernando León de Aranoa, ‘Dioses y perros’ pierde su atractivo en su uso reiterado de tópicos y en una postproducción bastante deficiente.

Sergio Montesinos 

Título original: ‘Kis uykusu’. Año: 2014. Duración: 195 min. País: Turquía. Director: Nuri Bilge Ceylan. Guión: Nuri Bilge Ceylan, Ebru Ceylan. Fotografía: Gökhan Tiryaki. Reparto: Haluk Bilginer, Melisa Sözen, Demet Akbag, Nadir Saribacak, Ayberk Pekcan, Nejat Isler, Tamer Levent. Productora: Memento Films Production. Género: Drama. Estreno (Turquía): 13/06/2014. Estreno (España): 10/10/2014.

La historia y los personajes normalmente son los principales motores de una película. La mayoría de las veces, el guión cuenta con unos diálogos que adolecen de banalidad, con muy pocos momentos destacables y que se usan para complementar a la propia trama, por tanto, se puede considerar que el don de la palabra está infrautilizado. El director turco Nuri Bilge Ceylan es un realizador que trata con especial cura los diálogos dándoles una importancia y función narrativa muy presente en sus películas. En ‘Winter sleep (Un sueño de invierno)’, Palma de Oro en el Festival de Cannes, como sucede en ‘Érase una vez en Anatolia’, su anterior película, la trama no es más que una mera excusa para presentar a los personajes. Si en ‘Érase una vez en Anatolia’ la premisa se basaba en la búsqueda de un cadáver con la ayuda del propio asesino, en ‘Winter sleep’ también es muy simple. Aydin es un ex-actor de teatro propietario de un hotel y de varias de las tierras del poblado, un incidente con el hijo pequeño de unos inquilinos endeudados y amenazados de desahucio y que el tío del niño busca el perdón de Aydin es la principal premisa (que no trama), donde las conversaciones del propio Aydin con su hermana Necla y su joven esposa Nihal son otros de los factores destacables.

‘Winter sleep’ tiene una estructura fragmentada, todos los retazos que conforman la película (principalmente los diálogos de los distintos personajes), trabajan de manera independiente, pero unidos le dan solidez y un mayor sentido. Como en anteriores filmes del director, las palabras toman el mando, pero en el caso de ‘Winter Sleep’, lo son todo, sensacionales diálogos que pasan de la cotidianidad e intranscendencia a las acusaciones más hirientes y crueles con claras reminiscencias a Ingmar Bergman (hay momentos que recuerdan a la disputa materno-filial de ‘Sonata de otoño’ o los reproches matrimoniales de ‘Secretos de un matrimonio’). El hecho de que Ceylan muestre a los personajes hablando durante las más de 3 horas que dura la película puede parecer excesivo y aburrido, al contrario, el director y también guionista, junto a su cónyuge Ebru Ceylan, es capaz de mostrar las extensas charlas de un modo pausado y a la vez muy interesante.

A través de las conversaciones se conocen a los personajes, mostrándolos tal y como son. Entre tanta discusión y reproche aparecen los debates sobre la moralidad y la consciencia, Aydin que ha conseguido sus riquezas gracias a la herencia de su padre, se cree, o le hacen creer los demás, que por ser el máximo propietario de la zona, es un ser superior. Su honradez no enmascara el menosprecio que tiene hacia el resto, como se aprecia con el imán. Su mujer Nihal mucho más joven que él, se siente distanciada, poco amada, pero también ve como su marido la controla en todo lo que quiere hacer por sí misma, proyectos basados en su carácter filántropo e idealista, un afán caritativo bienintencionado, pero con remordimiento que acaban perjudicando al afectado y a ella misma. La tercera en discordia es la hermana, Necla, que no ha sido capaz de superar su divorcio y que vive en el hotel junto a Aydin y Nihal. Son las conversaciones con su hermano las que tienen una índole más perversa y punzante y con una teoría sobre oponerse y resistirse al mal muy peculiar y reflexiva. Todos esos diálogos, algunos metafísicos, filosóficos e incluso una citación a William Shakespeare, ayudan a mostrar unos personajes que viven una vida vacía, solitaria, infeliz y malgastada, basada en el aburrimiento más absoluto. Puede que tengan razón o no en sus palabras, pero no busca inculcar ninguna de ellas en el espectador.

Ceylan adorna y complementa un guión sobresaliente con una gran puesta en escena. Las secuencias rodadas en interiores destacan por su teatralidad, unos planos muy buscados que alternan el minimalismo con la simbología. Las escenas grabadas en el exterior, en Anatolia, muestran la belleza de los paisajes que ya eran de gran importancia en anteriores filmes del director. En esta ocasión se logra crear una poética y fría atmósfera, más allá del clima helado que se presenta. Los elementos metafóricos tienen también un papel destacado en el filme. El hotel donde sucede parte de la acción contrapone a Aydin, Necla y Nihal, prisioneros del lugar y de sí mismos, con los turistas que están de paso, con el aventurero como ejemplo, un improvisador nato. Lo mismo sucede con el caballo salvaje, convertido en prisionero, para después ser liberado en un acto de libre consciencia.

El uso virtuoso que hace Ceylan de las palabras es elogiable, les da la importancia que tienen para exhibir y exponer a los personajes, muy diferentes entre sí, con diálogos duros y emotivos bien interpretados por un muy buen reparto, en una historia sencilla, que eliminando y cambiando algunos detalles costumbristas, encaja en cualquier otro ámbito y ambiente, ‘Winter sleep’ muestra las relaciones humanas, al fin y al cabo.

Sergio Montesinos

Hoy se ha anunciado el palmarés de la 47ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya donde ‘I Origins’ de Mike Cahill ha sido premiada como mejor película, la mejor dirección ha sido para Jonas Goevarts por su filme ‘Cub’. El premio al mejor guión ha ido para ‘Young Ones’ de Jack Paltrow. ‘The Babadook’ de Jennifer Kent ha hecho doblete con el premio especial del jurado y el de mejor actriz para Essie Davis que ha compartido ex-aquo junto a Julianne Moore por ‘Maps to the Stars’ de David Cronenberg. El premio al mejor actor también ha sido compartido Nathan Phillips por ‘These final hours’ y Koji Yakusho por ‘The world of Kanako’ han sido los galardonados. A continuación la lista con todos los premiados:

MEJOR PELÍCULA FANTÁSTICA:

‘I Origins’, de Mike Cahill.

MEJOR DIRECCIÓN:

Jonas Goevarts por ‘Cub’.

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA (EX-AQUO):

Essie Davis, por ‘The Babadook’.

Julianne Moore, por ‘Maps to the Stars’.

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA (EX-AQUO):

Nathan Phillips, por ‘These final hours’.

Koji Yakusho, por  ‘The world of Kanako’

MEJOR GUIÓN:

Jake Paltrow, por ‘Young Ones’

MEJORES EFECTOS ESPECIALES:

‘The signal’, de William Eubank.

MEJOR FOTOGRAFÍA:

‘Jamie Marks is dead’ de Carter Smith.

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO:

‘The Babadook’, de Jennifer Kent.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO (EX-AQUO):

‘A girl walks alone in the night’ de Ana Lily Amirpour.

‘Pos eso’ de Samuel Ortí Martí.

‘Spring’ de Justin Benson y Aaron Moorhead.

MEJOR CORTOMETRAJE:

‘Oscar desafinado’, de Mikel Alvariños.

GRAN PREMIO DEL PÚBLICO

‘What we do in the shadows’, Taika Waititi y Jemaine Clement.

PREMIOS SECCIÓN OFICIAL FANTÀSTIC ÒRBITA

Premio a la mejor película: ‘Hyena’, de Gerard Johnson.

Premio al mejor director: ‘Cold in july’, de Jim Mickle.

Mención especial: ‘’71′, de Yann Demange.

PREMIOS SECCIÓN OFICIAL FANTÀSTIC PANORAMA

Premio al mejor largometraje: ‘The Treatment’, de Hans Herbots.

Mención especial: ‘Creep’, de Patrick Brice.

PREMIOS MÉLIÈS D’ARGENT

Premio al mejor largometrajee: ‘Goodnight mommy’, de Veronika Franz y Severin Fiala.

Premio al mejor cortometraje: ‘Autumm harvest’, de Fredrik S. Hana.

PREMIOS DE LA CRÍTICA 

Premio José Luis Guarner a la mejor película: ‘Réalite’, de Quentin Dupieux.

Mención Especial de la crítica: ‘Goodnight mommy’, de Veronika Franz y Severin Fiala.

PREMIOS CITIZEN KANE

Premio al mejor director novel: ‘A girl walks home alone at night’, de Ana Lily Amirpour.

Mención especial: ‘When animals dream’, de Jonas Alexander.

PREMIOS NOVES VISIONS

Premio a la mejor película de ficción: ‘Han Gong-Ju’, de Lee Su-jin.

Premio a la mejor película de no ficción: ‘Non-fiction diary’, de Jung Yoon-suk.

Mención especial: ‘The duke of Burgundy’, de Peter Strickland.

PREMIOS FOCUS ÀSIA 

Premio a la mejor película: ‘Mad sad bad’, d’Han Ji-seung, Kim Tae-yong y Ryoo Seung-wan.

Mención especial: ‘Hwayi: a monster boy’, de Jang Joon-hwan.

PREMIOS ANIMA’T 

Premio al mejor llargmetratge de animació: ‘The satellite girl and milk cow’, de Chang Hyung-yun.

Premi al millor curtmetratge d’animación: ‘Pineapple Calamari’, de Kasia Nalewajka.

Mención especial: ‘Dinner for few’, de Nassos Vakalis.

PREMIO BRIGADOON PAUL NASCHY

Premio al mejor cortometraje fantástico presentado en esta sección: ‘Line up’, de Àlex Julià.

PREMIOS JURADO CARNET JOVE

Premio a la mejor película de Sección Oficial Fantàstic Sitges 47:

‘A girl walks home alone at night’, de Ana Lily Amirpour.

‘Cub’, de Jonas Govaerts.

Premio a la mejor película de la sección Midnight X-Treme: ‘The houses october built’, de Bobby Roe.

Premio Emergentes: ‘Amor Eterno’, de Marçal Forés.

Premio Experimenta: ‘The tribe’, de Myroslav Slaboshpytskiy.

PREMIS PHONETASTIC SITGES MOBILE FILM FESTIVAL

Premio al mejor cortometraje: ‘Sector Zero 4’, de Alfonso García López.

Premio del públic: ‘Intrusos’, de Iván Mourin.

PREMIO BLOOD WINDOW 

‘The stranger’, de Guillermo Amoedo.

PREMIS SGAE NOVA AUTORIA 

Premio a la mejor realitzación: Víctor Alonso Berbal, por ‘Puño y metal’, de la Universitat Pompeu Fabra.

Premio al mejor guión: Joaquim Barceló por ‘Dinosaurios’, de Joaquim Barceló y Amanda Gómez, de la Universitat Ramon-Llull-Blanquerna Comunicació.

Premio para la mejor música original: Alain Gómez Reglá y Luis Daniel González por ‘Pilato, Pilato’, de Roberto Russo, de la Escola de Cinema Bande à part.

PREMI SITGES CINE365 FILM 

Gerardo Herrero y Carles Torrens.

Título original: ‘Teenage Mutant Ninja Turtles’. Año: 2014. Duración: 101 min. País: Estados Unidos. Director: Jonathan Liebesman. Guión: Josh Applebaum, Andre Nemec. Fotografía: Lula Carvalho. Reparto: Megan Fox, Alan Ritchson, Jeremy Howard, Pete Ploszek, Noel Fisher, Will Arnett, Danny Woodburn, William Fichtner, Whoopi Goldberg. Productora: Paramount Pictures. Género: Acción. Estreno (Estados Unidos): 08/08/2014. Estreno (España): 17/10/2014.

La alarmante falta de ideas en la industria hollywoodiense en los últimos tiempos se ha traducido en un bombardeo de remakes y de reboots, siendo estos últimos cada vez más frecuentes. Estos reinicios se benefician en contar con el recorrido previo de la película original y de sus personajes. Las adaptaciones de cómics a la gran pantalla son las que más han sufrido estas nuevas versiones del mismo personaje. De superhéroes como Superman, Batman, Hulk y Spider-Man ya se han realizado reboots por diferentes motivos: el principal, actualizar a los héroes para las nuevas generaciones con el uso de los efectos visuales renovados, pero también para mejorar un primer reboot que no ofreció los resultados que se esperaban ya sean por la mala acogida de los fans como ocurrió con ‘Superman Returns’ de Bryan Singer y ‘Hulk’ de Ang Lee o por la dudosa calidad de filmes como ‘Batman Forever’ y ‘Batman & Robin’ de Joel Schumacher. En el caso de Spider-Man, la cancelación de la cuarta entrega de la saga dirigida por Sam Raimi propició un nuevo inicio a cargo de Marc Webb. ‘Star Trek’ también ha sido otra saga que se ha visto actualizada recientemente. 24 años después del estreno de la primera película, a la que le seguirían dos secuelas y varias series de animación (con el precedente de la de 1987), llega ‘Ninja Turtles’, la nueva versión de ‘Las Tortugas Ninja’.

El ‘factor nostalgia’ cumple una función destacada en los reboots con una diferencia considerable de años como es el caso de ‘Ninja Turtles’, los que crecieron leyendo los cómics, viendo la primera serie de animación a finales de la década de los 80 e incluso la trilogía de películas de principios de los 90, tienen la oportunidad de volver a ver a los héroes con caparazón de nuevo en acción. Al tratarse de un re-inicio, el filme vuelve a contar los orígenes de la mutación de las tortugas, pero con diferencias significativas respecto al cómic y sus respectivas adaptaciones, en esta ocasión procedentes de un fallido experimento de laboratorio. Un prólogo al más puro estilo comiquero muestra brevemente el cometido que tienen las tortugas de combatir el crimen del llamado ‘El clan del pie’, una trama muy parecida a la de la primera película con Shredder como principal enemigo.

La poca originalidad y profundidad en el guión, con diálogos intranscendentes y absurdos, se suple con la implantación de acción y muchos efectos especiales, una fórmula idéntica a la que ha utilizado Michael Bay con la saga ‘Transformers’ y que cobra sentido si se tiene en cuenta que Bay ha participado como productor principal del filme. Los trajes de látex del taller de Jim Henson (‘Barrio Sésamo’, ‘Los Teleñecos’) de las películas estrenadas en los 90, se sustituyen con la tecnología ‘motion-capture’ que ya se ha usado en películas como ‘Avatar’, ‘El señor de los anillos’ o ‘El origen del planeta de los simios’ y su secuela. Esta técnica da a los personajes más realismo y un sinfín de posibilidades en cualquier escena. El exceso de secuencias de acción (pese a ser espectaculares a nivel visual) provoca una saturación parecida a la de la tetralogía de los robots extraterrestres, que mezcla las (abusivas) cámaras lentas con escenas que suceden de manera muy veloz, más justificadas por el modo de actuar tan rápido de las tortugas para no ser vistas y mantener su anonimato.

La acción conglomerada no es el único elemento que enmascara las deficiencias en la historia, el carisma de las tortugas y del maestro Splinter ayuda a que la película se sostenga. Las personalidades de Raphael, Donatello, Michelangelo y Leonardo se asemejan a las ya vistas en cómics, series y películas anteriores, con el añadido de una actualización a la cultura popular a día de hoy. La importancia de los quelonios mutantes es tal que cuando no aparecen en escena, como ocurre en los primeros 20 minutos de metraje, el filme aburre, ya que los personajes humanos no aportan demasiado. La reportera del Canal 6, April O’Neil, co-protagonista junto a las tortugas, sólo destaca en las escenas en las que interactúa con ellas. Megan Fox encarna a una O’Neil con más presencia física que interpretativa, pero su personaje tiene una fuerte implicación con las protagonistas principales. Del resto del reparto, el cómico Will Arnett, conocido por su papel de God Bluth en la serie ‘Arrested Development’, interpreta a Vernon Fenwick, cámara de O’Neil, que también ayuda a las tortugas a luchar contra Schredder, uno de los villanos principales de la serie, lleno de garras y grandes cuchillas, en una lucha que no resulta ser tan épica como pretende.

¿Hacía falta revitalizar a las tortugas ninja? Como sucede con la gran mayoría de reboots la respuesta es no, pero ‘Ninja Turtles’ tiene los suficientes ingredientes para acabar siendo una película entretenida y divertida capaz de contentar a un nuevo público, más adolescente que infantil, y a los fans o seguidores que crecieron con las aventuras de Donatello, Leonardo, Michelangelo y Raphael.

Sergio Montesinos 

Título original: ‘Deux jours, une nuit’. Año: 2014. Duración: 95 min. País: Bélgica. Director: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne. Guión: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne. Fotografía: Alain Marcoen. Reparto: Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Pili Groyne, Simon Caudry, Catherine Salée. Productora: Archipel 35. Género: Drama. Estreno (Bélgica): 21/05/2014. Estreno (España): 24/10/2014.

Hablar de los Dardenne es hablar de cine social. En su filmografía, los veteranos hermanos belgas se han basado en mostrar historias veraces protagonizadas por personajes marginales y poco favorecidos que viven su vida alejados de los estándares sociales. Un género caracterizado por la crítica y la denuncia de la sociedad desigual e injusta en la que vivimos y más ahora donde la crisis económica está tan presente. Una crisis que afecta ferozmente en el ámbito laboral, empresas que por una bajada sustancial de la producción despiden a sus trabajadores, con lo que supone quedarse en paro y la gran dificultad de volver a encontrar un trabajo capaz de cubrir la gran cantidad de gastos. Los Dardenne aprovechan la difícil situación actual para explicar la historia de una mujer que pide a sus compañeros de trabajo que rechacen una prima y así evitar que la despidan.

En ‘Dos días, una noche’ se parte de un dilema moral como en anteriores películas de los directores, pero en esta ocasión son los 16 compañeros y compañeras de trabajo de Sandra, la protagonista, los que tienen que decidir en una votación si quieren quedarse con una prima extra de 1000 € o bien renunciar a ella para que Sandra no sea despedida y pueda quedarse en la empresa. La función de Sandra es hablar y visitar a cada uno de ellos para intentar convencerles de que voten por ella y no por la prima, en un viaje que se convierte en una lucha individual para conseguir la solidaridad y la comprensión de sus compañeros. Los Dardenne otorgan a la película una estructura reiterativa, el discurso de Sandra se repite (en ocasiones incluso de manera exacta) una y otra vez con el objetivo de cambiarles la opinión para no perder un empleo que le complicaría en exceso llegar a fin de mes. Dicha repetición que se corresponde con el planteamiento de la película, no llega a hacerse cansina, las respuestas de sus compañeros son mucho más que unos simples ‘sí’ o ‘no’, ya que muestran en qué situación se encuentran. Personas a las que esos 1000 € extra les sirve para cubrir gastos diversos y en algunos casos ayudan cuando sólo es un miembro de la familia el que está trabajando. Unas decisiones influenciadas previamente por uno de los directivos que amenazó a que si votaban a favor de que Sandra se quedase otro sería el despedido y que muestra los pocos escrúpulos que tienen las empresas hacia sus trabajadores.

Las decisiones de sus colegas de empresa afectan de manera significativa en Sandra, un personaje con serios problemas emocionales que ha pasado por un periodo de baja laboral por depresión. Al ser considerada vulnerable, débil e incapaz de seguir trabajando en plenas condiciones por los altos cargos de la corporación, es la elegida para ser la persona despedida. Las respuestas afirmativas le sirven para seguir con su tour de 48 horas en un fin de semana (los dos días y una noche del título) en busca de la benevolencia y solidaridad de sus compañeros, pero cuando las declaraciones son negativas, cae en pensamientos negativistas y autodestructivos (se considera ella misma como una mendiga y una ladrona) y en el excesivo consumo de fármacos para eliminar la ansiedad que le produce la situación. Los Dardenne han creado y descrito a una protagonista que, pese arrastrar una pesada fragilidad interior, es capaz de luchar por su derecho de mantener su trabajo a base de insistencia y perseverancia.

El filme contiene varios factores habituales en el cine que realizan los dos hermanos, uno de ellos es su facilidad de retratar temas esencialmente dramáticos con sencillez. ‘Dos días, una noche’ es una película muy simple a lo que respecta a su argumento, muestra sus cartas desde su inicio y no hay subtramas que desvíen las intenciones de la película, que son ante todo muy honestas. No es un filme que busque generar un discurso panfletista o bien manipular al espectador, lo que consigue indirectamente es que el público se identifique con la situación de Sandra y se ponga no sólo en su lugar, sino que reflexione qué decisión tomaría si fuese uno de sus compañeros. Otro de los elementos destacables es la representación de la intimidad tan cercana y veraz que realiza de la protagonista tanto a nivel personal como familiar, especialmente con su marido, que le acompaña en varias ocasiones. Una historia que si bien sucede en Bélgica, podría ocurrir en cualquier otra parte, la localización de la acción es lo de menos.

Dentro de la historia minimalista pero sólida, está Marion Cotillard, la omnipresente protagonista, con un plano suyo se empieza y se acaba la película, encargada de mostrar ese torbellino de emociones que es Sandra, ahogada en la ansiedad de ver como puede quedarse sin empleo, un factor que complicaría mucho la vida a su familia que depende de su sueldo. Cotillard es una actriz que se encuentra cómoda en el género dramático, en esta ocasión ofrece una elogiable interpretación que consigue elevar el nivel de emotividad de la historia, pero sin buscar un sentimentalismo extremo. En un papel secundario pero importante para la protagonista se encuentra Fabrizio Rongione, habitual en la filmografía de los Dardenne, que interpreta a Manu, el marido de Sandra, que tiene el objetivo de motivar a su mujer para que busque concienciar a sus compañeros, un personaje que puede considerarse como un antidepresivo para Sandra, mucho más sano que un medicamento.

Luc y Jean-Pierre Dardenne siempre buscan hacer un cine que busca plasmar de un modo verídico, agridulce y esperanzador historias centradas en las diferentes decisiones que toman sus personajes, en ‘Dos días, una noche’ han querido representar la supervivencia laboral, donde la necesidad y la búsqueda de la solidaridad se unen para mostrar un cine comprometido, un cine necesario.

Sergio Montesinos

Título original: ‘The Texas Chainsaw Massacre’. Año: 1974. Duración: 83 min. País: Estados Unidos. Director: Tobe Hooper. Guión: Tobe Hooper, Kim Henkel. Fotografía: Daniel Pearl. Reparto: Marilyn Burns, Paul A. Partain, Edwin Neal, Jim Siedow, Allen Danziger, Gunnar Hansen. Productora: Bryanston Picture. Género: Terror. Estreno (Estados Unidos): 01/10/1974. Estreno (España): 30/03/1977.

Entre las películas más icónicas del género de terror se encuentra ‘La matanza de Texas’, un filme que fue de los primeros en inaugurar el subgénero slasher, caracterizado por estar protagonizado por una banda de jóvenes que van muriendo uno a uno de forma violenta a manos de un asesino. No son pocas las películas que forman parte de este subgénero que también han logrado ser un referente en la temática como son las sagas de ‘Pesadilla en Elm Street’, ‘La noche de Halloween’, ‘Viernes 13’ o ‘Scream’. Películas que han conseguido que sus asesinos protagonistas sean ya personajes legendarios como Freddy Krueger, Jason Verhooes, Michael Myers o Ghostface.

‘La matanza de Texas’ se basa en la historia de Ed Gein, un hombre culpable de asesinar a dos personas y de robar cuerpos de tumbas para hacer ropa y mobiliario con las pieles de los cadáveres y coleccionar sus huesos. El hecho de vender la película como si se tratara de un hecho real como quieren mostrar los títulos iniciales, supone un eficaz añadido terrorífico a la historia. Impactante, desagradable e incómoda son algunos de los muchos calificativos que pueden utilizarse para definirla, la primera imagen, con un cuerpo en proceso de descomposición colgado en una torre en el cementerio, ya muestra claramente sus intenciones. Un filme en que los primeros 35 minutos sirven a modo preliminar a todo lo que está por venir, la función de la primera media hora es presentar a los cinco jóvenes, sin ahondar demasiado en ellos, y en su encuentro con el loco autoestopista amante de las navajas que recogen con su camioneta y que vuelve a aparecer al final. Es a la llegada a la antigua casa abandonada del abuelo de Sally y Franklin cuando el grado de tensión se incrementa y la sensación de que algo va a ocurrir es cada vez más evidente, un factor que se da cuando los personajes de Kirk y Pam avistan a lo lejos una casa. Es en esa casa donde se encuentra el asesino, un hombre con una máscara hecha de piel al que se le conocería como Leatherface y que pasados los años se acabaría convirtiendo en uno de los psicópatas más famosos del género. Aparece tras una puerta con un martillo con el que golpea a Kirk, una escena que ocurre de manera muy rápida, sin ningún tipo de efecto de sonido, la sola presencia imponente del asesino ya funciona por sí misma. El resto de asesinatos buscan encontrar la angustia del espectador al estar mucho más meditados, sabemos que el asesino está ahí, pero no cuando aparecerá para atacar.

La segunda película de Tobe Hooper, que 8 años después estrenaría ‘Poltersgeit’, otro filme emblemático, profundiza en la locura de un perturbado psicópata que era tan solo uno de los miembros de una familia formada por dementes, la animalización del ser humano llevada al extremo más aterrador y primitivo. El principal factor que convierte en estremecedora a ‘La matanza de Texas’ es que Leatherface no tenga ningún motivo para matar a sus víctimas, no actúa por venganza por algún suceso ocurrido en el pasado, sino por pura satisfacción y placer. El arma y seña identitaria del asesino, una sierra mecánica, es de las más macabras y sanguinarias vistas en el cine que demuestra el elevado grado de horror que quiere transmitir la película. Una crueldad mucho más implícita que explícita si se observa desde el punto de vista actual, donde la violencia extrema con exceso de sangre abunda en el subgénero, pero que es de suponer que en el año que se estrenó, 1974, debió generar un gran impacto y pánico en el público, poco habituado en ver escenas tan bestias como las que se dan en la película, de hecho en algunos países llegó a prohibirse durante bastantes años.

Más allá del asesino protagonista y su intención de despedazar a sus víctimas se encuentra la ambientación, una puesta en escena muy inquietante que describe perfectamente a la familia de chalados. La casa en la que viven se hayan gran cantidad de huesos humanos y de otros animales, gallinas enjauladas y cuerpos putrefactos. La noche y la oscuridad, un tópico en las películas de terror, también es utilizada para generar tensión, que se traduce en la larga e intensa persecución de Leatherface a Sally por el bosque, una escena que anticiparía a la del final, mucho más ágil y a la luz del día, pero no por ello menos terrorífica, que se acabaría convirtiendo en una de las escenas más famosas del filme, dos escenas excepcionales ya que gran parte de la acción en el tramo final ocurre en la casa de Leatherface y sus hermanos.

Cuatro décadas después de su estreno, ‘La matanza de Texas’, a la que le siguieron unas secuelas, precuelas y remakes inferiores,  sigue aguantando bien el paso del tiempo hasta llegar a ser considerada una película de culto y toda una referencia en posteriores filmes de la misma temática.

Sergio Montesinos

Título original: ‘Filth’. Año: 2013. Duración: 97 min. País: Reino Unido. Director: Jon S. Baird. Guión: Jon S. Baird. Fotografía: Matthew Jansen. Música: Clint Mansell. Reparto: James McAvoy, Imogen Poots, Jamie Bell, Joanne Froggatt, Eddie Marsan, Jim Broadbent. Productora: Logie Pictures. Género: Comedia. Estreno (Reino Unido): 27/09/2013. Estreno (España): 31/10/2014.

Danny Boyle adaptó en 1996 la novela de Irvine Welsh ‘Trainspotting’, un veraz y potente retrato sobre el mundo de la droga, ahora casi 20 años después, otro libro de Welsh, ‘Escoria’, se convierte en película: ‘Filth, el sucio’. Entre ambos filmes se encuentran varias similitudes, las dos transcurren en una Escocia suburbial, los protagonistas recurren a las drogas como modo de evasión y recurren al uso de la voz en off a modo de narración en varias ocasiones, pero pese a que comparten algunos elementos, sus argumentos son completamente distintos. En ‘Filth’ el detective Bruce Robertson busca el deseado ascenso de sargento a detective, la investigación del asesinato de un joven japonés es su principal baza para conseguir no solo el ascenso, sino también volver con su mujer e hija.

El inspector Robertson destaca por unas maneras y un comportamiento muy alejados de lo que debe ser un agente de la autoridad. Él mismo se encarga de presentar a sus compañeros como enemigos para el puesto como si se tratara de una carrera de caballos, (apuestas incluidas) donde él se cree el ganador indiscutible. Se acuesta con la mujer de uno de ellos, acosa telefónicamente a otra, va a prostíbulos, bebe, se droga y se encarga de crear conflictos entre sus colegas de departamento. Jon S. Baird, un director y guionista sin demasiados proyectos a sus espaldas, se hace cargo de mostrar a ese personaje absolutamente despreciable y dado a los excesos de todo tipo desde un punto de vista humorístico y desvergonzado. Robertson es un anti-héroe que vive en su mundo psicotrópico e irreal, él no es consciente de ello, pero el espectador en algunas fases de la película tampoco. El filme se adentra literalmente en la mente del inspector, un lugar oscuro que esconde un trauma infantil al que le acompañan visiones y una realidad muy alejada de la suya que se descubre pasada la hora de metraje.

El humor irreverente se apodera de la película con situaciones llevadas al extremo y que acaban derivando hacia una comicidad descarada que logran escenas divertidas y en algunos casos surrealistas, entendibles dentro de la tónica del filme. Pese a que el humor negro está muy presente, la historia va inclinándose poco a poco hacia el drama con la degradación y decadencia física y moral que sufre Robertson, que va asimilando que su aparente vida idílica no es tal, en un proceso de autodestrucción que parece inevitable. Dentro de su delirio, se encuentra unas alucinaciones que se encargan de animalizar con personajes que se corresponden a cuentos infantiles a todas las personas que le rodean, está la bruja, el lobo, el elefante, la oveja y por supuesto, el cerdo, que es como se ve el propio Robertson.

Al centrarse tanto en el personaje principal, en muchos momentos la película se acomoda en la ‘no-historia’, se encadenan escenas, pero no aportan información nueva ni del personaje ni de la trama, además la resolución del asesinato no deja de ser un mero macguffin.  Todo se basa en un montaje vistoso y ágil con una muy bien escogida banda sonora con temas como ‘Dr. Love’ de Tom Jones y Les Reed, ‘Love really hurts without you’ de Billy Ocean o ‘Silver Lady’ de David Soul (con cameo del cantante con número musical incluido).

Si bien la película peca de previsibilidad en su parte final y por una falsa apariencia de originalidad, tiene la suerte de contar con un James McAvoy inmenso. El actor escocés ofrece un festival interpretativo con su papel de inspector Robertson, un personaje complejo dado su inestabilidad mental que McAvoy se encarga de llevar hasta niveles extremos con una gran variedad de gestos y acciones que consiguen que un personaje detestable como el que interpreta consiga caerle bien al espectador. Los secundarios también destacan, sobre todo Jamie Bell como el cocainómano inspector Lennox, Eddie Marsan, uno de los eternos y mejores secundarios británicos, en el papel del inocentón Bladesey y Jim Broadbent como el doctor Rossi, en un breve papel, pero importante para conocer mejor, desde un punto de vista onírico, a Robertson.

Como se comenta al principio de la crítica, ‘Filth, el sucio’ tiene elementos que recuerdan a ‘Trainspotting’, pero también a ‘Teniente corrupto’ de Werner Herzog, sobre todo por su protagonista. El de Baird es uno de esos filmes que son menos de lo que pretenden, pero su humor desenfrenado, una puesta en escena llamativa y un James McAvoy muy entregado logran que la película funcione y entretenga.

Sergio Montesinos

Título original: ‘Interstellar’. Año: 2014. Duración: 169 min. País: Estados Unidos. Director: Christopher Nolan. Guión: Christopher Nolan, Jonathan Nolan Fotografía: Hoyte van Hoytema. Música: Hans Zimmer. Reparto: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, John Lithgow, Casey Affleck, Mackenzie Foy, Michael Caine. Productora: Waner Bros. Género: Ciencia ficción. Estreno (Estados Unidos): 05/11/2014. Estreno (España): 07/11/2014.

Aviso: La crítica contiene spoilers de la película.

Entre todos los seres que habitan el planeta Tierra, los humanos hemos sido los que más hemos evolucionado, ya sea para bien o para mal. La especie dominante, sí, pero también con muchas imperfecciones. Las personas somos expertas en la construcción y en la (auto)destrucción, nos hemos establecido en una convivencia compleja entre diferentes civilizaciones con un excesivo afán de egoísmo, poder y explotación de todo tipo de recursos. Las continuas progresiones en el ámbito tecnológico que han hecho nuestra vida más fácil y cómoda han sido una perdición para el planeta. El hogar donde hace ya varios cientos de miles de años aparecieron los primeros homo sapiens es a día de hoy un lugar muy perjudicado por los caprichos del ser humano. Esta breve introducción sirve para presentar la premisa de ‘Interstellar’, en que los abusos del pasado al planeta por parte de las personas se traducen en el agotamiento de los recursos, eso provoca que la gente regrese a la agricultura para cultivar en los campos, donde la mayoría de la población vive como granjeros con el inconveniente de tener que soportar una plaga en forma de enormes tormentas de polvo que perjudican a las cosechas y a la salud, mensaje de que la Tierra ya no es un hogar habitable para las personas. Un mundo no tan distópico como puede parecer que obliga a tener que buscar otro planeta que reúna las condiciones indispensables para sobrevivir y evitar la extinción de la raza humana. Una película que más allá de su argumento plantea una pregunta que gravita continuamente en el filme: ¿Qué nos define como seres humanos?

Christopher Nolan es un director que se mueve con facilidad y soltura en el terreno de las grandes producciones como ya ha demostrado en la trilogía de Batman, personaje que consiguió revitalizar tras el chasco de duología que dirigió Joel Schumacher, y ‘Origen’, películas que son más que un simple entretenimiento, ya que además buscan la reflexión del espectador en varios aspectos como el enfrentamiento de la corrupción frente a la justicia en ‘El caballero oscuro’ o el funcionamiento del subconsciente en ‘Origen’. No son filmes excesivamente complicados de entender, pero sí más complejos y lúcidos que el resto de superproducciones de Hollywood que estamos acostumbrados a ver gracias a un guión mucho más sólido y trabajado, una de las señas de identidad de Nolan junto a su hermano Jonathan, que le ha acompañado en la escritura en la segunda y tercera entrega del alter ego de Bruce Wayne, en ‘El truco final’ y en la historia que sirvió de base para ‘Memento’. En ‘Interstellar’, donde la dupla vuelve a reunirse, el director ha dirigido su película más ambiciosa, emotiva y humana hasta el momento. Contestando a la pregunta del final del primer párrafo, los humanos somos un cúmulo de emociones y sentimientos, muchos de nuestros actos se basan en estos dos factores. Cooper, el protagonista, ex-piloto e ingeniero, reconvertido en granjero por necesidad, decide embarcarse junto con un equipo en la búsqueda y exploración de otro planeta para, principalmente, salvar a sus dos hijos, Murphy y Tom. Los lazos paterno-filiales, sobre todo con Murph, están muy presentes durante la película. La carga emotiva que muestra el filme es mucho más profunda de la que ya existía en ‘Origen’ con la presencia de Mal, la mujer de Cobb, dentro de su subconsciente como proyección sentimental y el objetivo de acabar su misión de introducir una idea en la mente de un sujeto para poder volver a ver a sus hijos. Las acciones que mueven a ambos personajes a hacer lo que hacen es el sentimiento de amor por sus seres queridos, su familia.

El amor es el motor de ‘Interstellar’, un mecanismo emocional capaz de trascender dimensiones de espacio y tiempo. Una afección difícil de entender, es posible amar a gente que ya no está o que hace tiempo que no se la ve, como reflexiona la doctora Brand en el filme. Tales emociones no sólo se muestran en los pensamientos de los personajes, también en momentos muy significativos como el de Cooper visionando los videos que a lo largo de los años le han dejado sus hijos y que por diferencias temporales, tienen una edad similar a la de su padre. La basante emocional se compagina con la ciencia, otro de los pilares de ‘Interstellar’. Anomalías gravitacionales, teoría de la relatividad, distorsión espacio-tiempo, agujeros de gusano, agujeros negros, quintas dimensiones… las jergas científicas son muchas y variadas, pero su complejidad queda minimizada por las explicaciones que se hacen comprensibles y al alcance de gente que no esté familiarizada con el tema. La presencia del físico teórico Kip Thorne como consultor y autor de la premisa hace que la película, que ante todo pertenece al género de la ciencia-ficción, obtenga una cierta credibilidad, sin demasiadas exigencias, que a su vez se torna educativa y muy interesante.

La espectacular epopeya de Nolan recuerda a otros filmes donde el espacio es parte de la acción como la reciente y opresiva ‘Gravity’ de Alfonso Cuarón, ‘Sunshine’ de Danny Boyle donde la supervivencia de la humanidad también está en juego a causa de que el Sol se apaga, pero es con ‘2001: Una odisea del espacio’ de Kubrick, uno de los mejores y más visionarios filmes del género, con el que se le ha querido comparar con más insistencia. Cierto es que hay varias similitudes entre ellas como cruce de agujeros espacio-temporales (más coloristas en el filme de Kubrick), robots (los simpáticos y serviciales Tars y Case en ‘Interstellar’ frente al malvado Hal en ‘2001…’) y la estructura circular similar entre la nave Endurance en la película de Nolan con la estación orbital de acoplamiento en la de Kubrick. Sin entrar en comparar el nivel de calidad de ambas películas, ‘Interstellar’ no debería entenderse como una actualización del film de 1968.

Como comentaba a mitad del segundo párrafo, la mayoría de guiones en la filmografía de Nolan se caracterizan por su cohesión narrativa. ‘Interstellar’ es probablemente una de sus películas más fallidas a nivel de narración sobre todo por la dependencia de las casualidades para que la historia avance que se torna excesiva para acabar derivando en el final más complaciente de la filmografía de Nolan, pero peor que esas coincidencias es la incursión de un nuevo personaje a mitad de la película que genera una nueva subtrama que perjudica a la historia por no aportar nada interesante, pero que afortunadamente es solventada de manera tan tópica como efectiva. El factor tiempo ha sido un elemento importante en varias de las películas del director. ‘Memento’ se caracteriza por su no-linealidad temporal en los sucesos que se muestran, mientras que en ‘Origen’ son los sueños los que avanzan de un modo mucho más lento que en la realidad, 5 minutos de tiempo real equivale a 60 en un sueño. Esta diferencia temporal también se muestra en ‘Interstellar’, cuando los tripulantes de la Endurance han de entrar a explorar un planeta candidato para ser habitado, deben pasar cerca de Garagantúa, un agujero negro con mucha atracción de gravedad que frena el tiempo comparado con el de la Tierra donde una 1 hora son 7 años en nuestro planeta, fenómeno que es usado en el guión como elipsis temporal terrestre de más de 20 años y así poder mostrar a los hijos de Cooper ya mayores paralelamente a lo que ocurre en el espacio de un modo no siempre eficaz y de manera atropellada. Si bien los defectos e incongruencias narrativas son más evidentes que en otras películas, los detalles tienen una gran importancia en la historia, migajas en forma de pistas que van dejando los Nolan para conseguir encajar y atacar los cabos sueltos en el clímax del filme, un inicio de tercer acto inverosímil con paradojas temporales trascendentes.

Una de las novedades de la película se encuentra en la dirección fotográfica, Wally Pfister, habitual en toda la filmografía de Nolan, excepto ‘Following’, su ópera prima, se ausentó en esta ocasión para debutar en la dirección con ‘Transcendence’ y su lugar lo ocupó  Hoyte van Hoytema, responsable de la fotografía de películas como ‘Her‘ de Spike Jonze o ‘Déjame entrar’ de Tomas Alfredson, ambas muy atractivas a nivel visual y muy opuestas entre sí por la calidez del filme de Jonze frente a las tonalidades frías del lugar que presenta Alfredson. Van Hoytema muestra la Tierra con un tono apagado donde destaca el sepia y que se contrapone con la grandilocuencia del espacio, con la oscuridad, las estrellas y sus enormes planetas que lo forman, de una variedad y una belleza visual destacables. Especialmente espectaculares son las entradas en el agujero de gusano y en Gargantúa.

Contar con personajes tan emocionales con los que resulta fácil empatizar, ha provocado que varios integrantes del reparto logren unas interpretaciones que están al nivel del espectáculo que se ofrece, en el que destacan tres actores: Matthew McConaughey, Jessica Chastain y Mackenzie Foy. Desde que McConaughey dejara atrás las comedias románticas, ha conseguido demostrar su gran faceta actoral en papeles dramáticos. En ‘Interstellar’ es ante todo un padre que tiene la misión de salvar a la humanidad y volver, sin saber cuándo, a ver a sus hijos; tal como le promete a Murph antes de irse, un personaje que interpreta en la etapa de niña Foy, que muestra con un gran sentido de la niñez el hecho de que un padre, su pilar, se separe de ella, difícil de entender y asimilar siendo tan sólo una cría de 10 años. Cuando crece (papel que interpreta Chastain en su etapa adulta), a diferencia de su hermano Tom, (Casey Affleck) que ha formado una familia, ella aún no ha podido superar la ausencia de la figura paterna como muestra en los mensajes de video que le deja, seguramente las escenas con actores que mejor reflejan el nivel de emotividad del filme, donde McConaughey y Chastain están magníficos. Como ya viene sucediendo en las películas de Nolan, actores que ya han trabajado con él repiten, en esta ocasión es Anne Hathaway y por supuesto un fijo como Michael Caine, Amelia Brand y Dr. Brand, hija y padre respectivamente. Hathaway es una de las tripulantes de la Endurance, un personaje muy sentimental como revelan en sus emotivas reflexiones, que complementa al personaje de Cooper, sin llegar a su nivel de relevancia en ningún momento. Caine por su parte interpreta al peor personaje del filme, sobre todo por su mal desarrollo dentro de la historia. Quien tampoco falla a la cita es el compositor Hans Zimmer que ha creado una música que se aleja de las bandas sonoras de la trilogía de Batman o de ‘Origen’ para realizar una partitura que resalta el tono sentimental que envuelve toda la historia y que se compatibiliza con los imponentes silencios.

‘Interstellar’ tiene los componentes que caracterizan todas las películas de Nolan, introducidos en esta ocasión en un heroico viaje intersideral para salvar a los seres humanos y mostrarnos a nosotros mismos, seres complejos e irracionales, donde la moral se enfrenta con las emociones. Esta es una película capaz de ser íntima, de entretener y de dar un espectáculo visual como las grandes superproducciones saben hacer.

Sergio Montesinos

• Crítica de ‘Interstellar’ (I).

Título original: ‘Escobar: Paradise lost’. Año: 2014. Duración: 120 min. País: Francia. Director: Andrea Di Stefano. Guión: Andrea Di Stefano. Fotografía: Luis David Sansans. Música: Max Richter. Reparto: Josh Hutcherson, Benicio Del Toro, Brady Corbet, Claudia Traisac, Carlos Bardem. Productora: Alta Films. Género: Thriller. Estreno (Francia): 05/11/2014. Estreno (España): 14/11/2014.

Los biopics muestran diferentes etapas de los personajes, la mayoría de las veces como protagonistas absolutos de la historia, su historia. En ‘Escobar: Paraíso perdido’, el debut como realizador del actor Andrea Di Stefano, Pablo Escobar, el que fuera narcotraficante y líder del cartel de Medellín en Colombia, no es el protagonista principal de la película pese a ser el hilo conductor de la misma, sino Nick, un joven canadiense que vive en el país junto a su hermano y que se enamora de María, una chica del lugar que resulta ser la sobrina de Pablo Escobar.

Que gran parte de la película transcurra desde el punto de vista del personaje de Nick hace que no sea una película biográfica al uso y que tenga un aspecto diferenciador del resto de filmes del mismo género. Una vez Nick consolida su relación con María, va conociendo poco a poco la figura de Escobar, un hombre con diversas caras. Un héroe al más puro estilo Robin Hood para los pobres a los que ayuda con su dinero basado en las exportaciones de cocaína de las que es uno de los mayores productores del mundo. Es también un patriarca en la familia y un líder y patrón para todos los que trabajan para él, un hombre al que le gustan las excentricidades como las recreaciones de dinosaurios en su mansión o tener el coche en el que asesinaron Bonnie y Clyde y mostrar su gran poder. Poco a poco más involucrado en su familia, Nick ve como su estatus crece hasta llegar a trabajar para Pablo en su mansión y convertirse en un hombre de su confianza, todo ello logra mostrar al verdadero Pablo Escobar, que no duda en hacer desaparecer (con la ayuda de sus sanguinarios y fieles sicarios) de la forma más despiadada a todo a aquel que le suponga un problema, incluido el Gobierno colombiano, para seguir manteniendo su  autoridad en el país. El filme engloba todos estos aspectos en la primera hora de película en un periodo de tiempo que va de principios de los ochenta hasta principios de los noventa, en que la trama amorosa entre Nick y María, necesaria en una primera instancia como punto de conexión entre él y Escobar, toma una importancia intranscendente para el desarrollo de la historia, sobre todo en la segunda hora de metraje, donde todo lo descriptiva que es la primera parte, posteriormente se ve evocado en un thriller que conecta con la misión que deben realizar Nick y los sicarios antes de que Escobar entre en la cárcel, mostrada al inicio del filme.

La segunda hora corrige el avance lento de la primera, para así enseñar, en un periodo de tiempo mucho más corto, el encargo que Nick ha de realizar. Es al no cumplir con la totalidad de la encomienda cuando todo se complica y la situación se tensa y la película cambia completamente de registro y con lo visto con anterioridad, donde la vida de Nick corre auténtico peligro. Un tramo muy interesante, que pese a contar con ciertos convencionalismos, no resulta tan previsible como parece en un principio. Di Stefano, que también se encarga del guión, muestra solidez en la exposición las imágenes, pero es irregular en la convergencia de diversos géneros de los que se construye. La película se ve perjudicada y traicionada por su planteamiento de querer mostrar a Pablo Escobar desde el personaje Nick, ya que este adquiere mucho más protagonismo en el segundo tramo, mientras que las apariciones de Escobar van a menos, siendo un personaje mucho más potente, inquietante e interesante que el de Nick, como demuestra en las escenas en las que aparece.

El reparto y más en concreto Josh Hutcherson y Benicio Del Toro, son los encargados de llevar a flote toda la película. El primero (conocido por ser Peeta en ‘Los juegos del hambre’), que interpreta Nick, es el personaje principal, conductor y ojos de toda la historia, importante en un rol que cumple de manera correcta, pero que está muy por debajo de Del Toro, lo mejor de la película, metido en el papel de Pablo Escobar, el actor puertorriqueño, que hace varios años interpretó a otro reconocido personaje sudamericano como fue Ernesto ‘Che’ Guevara, permite, con su gran caracterización, introducirse en la piel del monstruo sin escrúpulos que fue Escobar. Resulta una verdadera lástima que no tenga más relevancia y profundidad en la película, ya que deja ganas de verlo mucho más en pantalla.

En ‘Escobar: Paraíso perdido’ Andrea Di Stefano cuenta una historia alejada de los biopics más convencionales, pero no acaba de convencer con una progresión irregular de la historia, sobre todo con un final muy deficiente. Benicio Del Toro, con una magnífica interpretación, y una última hora que se desarrolla de manera notable sobresalen en el correcto debut del italiano tras las cámaras.

Sergio Montesinos

Título original: ‘Dumb and Dumber to’. Año: 2014. Duración: 110 min. País: Estados Unidos. Director: Peter Farrelly, Bobby Farrelly. Guión: Sean Anders, John Morris. Fotografía: Matthew F. Leonetti. Música: Empire of the sun. Reparto: Jim Carrey, Jeff Daniels, Kathleen Turner, Laurie Holden, Rob Riggle, Rachel Melvin. Productora: Conundrum Entertainment. Género: Comedia. Estreno (Estados Unidos): 14/11/2014. Estreno (España): 14/11/2014.

Charlie Chaplin, Mack Sennett, Harold Lloyd, Buster Keaton y personajes como Los Hermanos Marx y El Gordo y el Flaco podrían considerarse los principales padres de la comedia cinematográfica. Su humor ha perdurado hasta día de hoy y ha sido todo un referente en el género, algunas de ellas pertenecen al subgénero slapstick que destaca por ser una comedia física donde los actores simulan hacerse daño para conseguir hacer gracia utilizando un humor muy absurdo. Directores como Mel Brooks con ‘El jovencito Frankenstein’, ‘Sillas de montar calientes’ y ‘La loca historia de las galaxias’ o el trío formado por Jim Abrahams y los hermanos David y Jerry Zucker, responsables de ‘Aterriza como puedas’, ‘Top Secret’ y ‘¡Por favor, maten a mi mujer!’ aparecieron en los 70 y 80 para ofrecer comedias, algunas de ellas parodias, alocadas y disparatadas que no era más que una evolución en el género. Fue en los 90 cuando aparecieron otros hermanos, Peter y Bobby Farrelly, dos directores que si bien no han inventado nada, han demostrado a lo largo de su extensa filmografía que uniendo todos los antecedentes saben cómo hacer reír al espectador y los han evidenciado especialmente en dos películas: ‘Algo pasa con Mary’ y su debut, ‘Dos tontos muy tontos’. Veinte años después del estreno de esta última llega ‘Dos tontos todavía más tontos’.

Si hay algo especialmente remarcable de esta segunda parte es que pese haber pasado dos décadas en las vidas de Harry y Lloyd, para ambos el paso del tiempo ha sido algo sin ninguna importancia, lógico teniendo en cuenta la personalidad de los dos. La película ya muestra desde el inicio la tónica que llevará hasta el final como muestra el hecho de que Lloyd haya estado simulando durante veinte años una enfermedad catatónica con la excusa de que Mary Swanson lo rechazara en la primera entrega para gastarle una broma a un Harry que tras enterarse de que tiene una hija, decide ir a buscarla para así conocerla. Una trama que como ya ocurría con el filme anterior destaca por su sencillez.

Los Farrelly han planteado esta película a modo de homenaje, un obsequio a los seguidores de ‘Dos tontos muy tontos’. La consideración es tal que aparte de recuperar el tono humorístico, las referencias en personajes pasados (el chico ciego vuelve a aparecer), escenas y diálogos son constantes. El problema llega al no saber generar tantos momentos divertidos como en aquella, donde el número de gags hilarantes era mucho mayor y que provocó que varias de sus escenas sean aún recordadas. En esta secuela todo resulta demasiado repetitivo, sin demasiadas buenas ideas que se construye en su totalidad en el humor extremadamente absurdo que caracterizó a su antecesora. Tener a dos niños grandes, inmaduros e inútiles como Harry y Lloyd como protagonistas hace que las  situaciones inverosímiles se sucedan continuamente, son estos momentos, hilados uno tras otro, los que hacen que la película avance. Los directores, como expertos en el género, dominan los tempos y saben donde incluir los momentos cómicos, pero no se traducen en las carcajadas que se esperan en este tipo de películas. También influye negativamente el paso de los años, ver hacer bromas tan infantiles a los personajes en la primera entrega podía tener un pase, pero con 50 años resulta más chirriante.

Desde que se estrenara ‘Dos tontos muy tontos’ en 1994, las carreras de Jim Carrey y Jeff Daniels, los dos protagonistas, han tomado caminos muy distintos. Carrey se ha encasillado en una gran multitud de comedias como protagonista, dada su gran facilidad física y gestual para hacer reír, pero también ha demostrado que sabe introducirse en papeles más dramáticos y serios como hizo en ‘El show de Truman’, ‘The majestic’ o ‘El número 23’. Daniels en cambio, sin la repercusión mediática de su compañero, ha participado, ya sea como protagonista o secundario, en películas de corte independiente y en la serie de televisión ‘The newsroom’, sin dejar de lado alguna que otra comedia. La química entre ambos es muy evidente, pero es Carrey el que se siente mucho más cómodo y el que sobresale con su repertorio infinito de muecas.

El género de la comedia es seguramente junto el dramático el que se expone más a la forma de ser de cada espectador con dos objetivos completamente opuestos que si no se cumplen resultan ser muy insatisfactorios. Con un argumento flojo, ‘Dos tontos todavía más tontos’ funciona de forma irregular en su cometido de hacer reír que consigue en ocasiones muy puntuales, un filme con guiños y muy continuista a su antecesora que contentará a los fans, pero que probablemente no complacerá al resto.

Sergio Montesinos

Barcelona es una ciudad a la que le gusta acoger festivales de cine. El número de certámenes es bastante considerable que destacan por su gran variedad de propuestas, algunos como el Americana Film Fest se han estrenado este 2014 y el D’Autor ha celebrado su cuarta edición, pero también se encuentran otros más veteranos como el In-Edit con 12, el DocsBarcelona con 17 y la Mostra internacional de films de dones que ya lleva 22 ediciones. Entre todos estos certámenes se encuentra uno que este año celebra su 21ª edición, L’Alternativa, un festival que se ha caracterizado todos estos años por apostar por un cine independiente alejado de las salas comerciales que permite descubrir directores emergentes que más allá de apostar por la sección oficial con largometrajes y cortometrajes también ofrece diferentes actividades relacionadas con el mundo audiovisual. De las secciones más reconocidas se encuentra L’Alternativa Paralelas, que busca homenajear a directores consagrados pero con filmografías no demasiado conocidas. En esta edición el festival le ha dedicado esta sección a Anne-Marie Miéville y Djibril Diop Mambéty, justamente ‘Touki Bouki’, el primer largometraje de este último, ha sido el encargado de inaugurar esta 21ª edición.

Sin tener una filmografía muy extensa (dos largometrajes, tres mediometrajes y un corto), el senegalés Djibril Diop Mambéty es considerado como uno de los directores más importantes del continente africano. ‘Touki Bouki’, dirigida en 1973 y situada en una Senegal post-colonia francesa, abre con un plano de un niño sentado en una res y guiando a un rebaño vacuno, una imagen rural con sonidos tribales de fondo que cambia para dar paso, combinando la subjetividad (incluido el modo copiloto) y el plano general, a una moto con una cráneo de res atado en la parte delantera que sirve como transición para pasar del paisaje rural al urbano con una carretera asfaltada. Entre medio de ambas escenas se muestran una serie de planos bastante sobrecogedores y desagradables de degollamientos y matanzas de reses donde la sangre abunda. Los primeros minutos el filme se adentra en los poblados de Senegal para mostrar el modo de vida que tiene sus habitantes como el comercio en la calle o las mujeres que llevan cubos para llenarlos de agua, todo ello en un ambiente de miseria y de pobreza. Vista esta situación tan poco esperanzadora, Mory y Anta, una joven pareja adolescente, quieren salir del país y comenzar una nueva vida en París, para ello tendrán que conseguir dinero de cualquier modo en una odisea que tiene como objetivo llegar al puerto de Dakar para coger un barco destino a Francia.

Mambéty aprovecha el argumento para hacer una crítica a un país que apenas había superado los 10 años de independencia, pero que no había mostrado una mejora en la vida de sus habitantes que revela dos mundos distintos y antagónicos: el rural, basado en el pueblo asumido en las tradiciones del lugar donde predomina la penuria, y el urbano, un lugar mucho moderno y rico e influenciado por el capitalismo llegado de occidente. Tradición y modernidad están muy presentes, chocan y se encuentran en varios momentos de la película. A parte de la escena inicial comentada antes, el momento en el que tras robar dinero, ropa y un coche a un señor de clase alta vuelven disfrazados de ricos a su poblado, donde son recibidos con alabanzas y bailes tribales, o el diálogo entre un profesor y una profesora franceses en Dakar burlándose de la cultura y el grado intelectual de los senegaleses y del arte africano en general, son otras escenas destacadas referentes a esa dualidad opuesta.

La influencia de la Nouvelle Vague francesa con directores como Jean Rouch con sus filmes antropológicos que tratan el colonialismo y las tradiciones de diferentes zonas de África es evidente, destacando por la renovación de la imagen y la narración. Mambéty, con su estilo propio, hace uso del montaje para presentar imágenes (algunas aleatorias y que rompen con una narración habitual) que sirven de metáfora, pero unidas unas con otras forman un discurso. Pero el filme no únicamente se basa en la imagen, el sonido, con melodías hechas con instrumentos de percusión como tambores y flautas, y canciones francesas como ‘Paris, Paris’ de Joséphine Baker, que se repite varias veces, también tiene una gran importancia en el desarrollo e idea de la película. ‘Touki Bouki’ es una película comprometida y reivindicativa, una propuesta radical para hablar de un modo poco convencional de la situación que Senegal vivía en la época.

Sergio Montesinos

Título original: ‘Still life’. Año: 2013. Duración: 88 min. País: Reino Unido. Director: Uberto Pasolini. Guión: Uberto Pasolini. Fotografía: Stefano Falivene. Música: Rachel Portman. Reparto: Eddie Marsan, Joanne Froggatt, Karen Drury, Andrew Buchan. Productora: Redwave Films. Género: Comedia/Drama. Estreno (Italia): 12/12/2013. Estreno (España): 21/11/2014.

A la gran mayoría de nosotros nos gustaría vivir nuestra vida con la gente que queremos ya sea la propia familia o conocidos que con el tiempo se convierten en amigos o pareja, pero por diferentes circunstancias como la muerte de los seres queridos, actos cometidos en el pasado o un carácter extremadamente cerrado e introvertido puede darse el caso de que la gente entre en un proceso de invisibilización y muera en absoluta soledad. Justamente el oficio que tiene John May, protagonista de ‘Nunca es demasiado tarde’, es buscar a familiares o conocidos de personas que fallecen solas para comunicarles su muerte e invitarles al funeral. En los pocos casos que consigue entablar contacto con gente estos se desentienden y no muestra ningún interés. En el caso de no encontrar a nadie, el propio May se encarga de preparar y asistir a los funerales.

A partir de ese peculiar trabajo, el director y guionista Uberto Pasolini hace una reflexión a cerca de la vida, la muerte y la soledad y su encaje con la personalidad de John, un individuo que destaca por ser solitario y minucioso, muy cómodo trabajando para los muertos durante 22 años, hasta que la Consejería donde trabaja decide eliminar el departamento de John y prescindir de sus servicios y dejarle cubrir un último caso antes de ser despedido, el de Billy Stoke, un hombre que había vivido enfrente de su casa durante muchos años sin saberlo. La memoria cumple un papel fundamental en la historia en dos aspectos muy definidos: las fotografías y los recuerdos de las personas que conocían al fallecido. Las fotografías pese a tratarse de imágenes fijas, son parte de un momento determinado de una persona, John se encarga de coleccionar en un álbum todas esas instantáneas de difuntos como único modo de mantener esas personas presentes. Después se encuentran los recuerdos, fundamentales  para conocer la vida pasada de las personas y en el filme en concreto de la de Billy Stoke. El encuentro de John May con antiguos conocidos de Billy como su ex-novia, sus amigos de juventud o de cuando mendigaba y su hija que apenas conoció permiten construir, gracias a diferentes anécdotas y reminiscencias de cada uno de ellos, su historia. Son esos acercamientos los que consiguen cambiar el carácter tan cerrado y retraído de John al aportar un aura de vitalidad que no existía y que consigue un personaje tan breve pero importante en el tramo final como el de Kelly, la hija de Billy.

Pasolini sabe como plasmar todo en pantalla acorde con la historia que quiere contar y lo evidencia con su puesta en escena llena de detalles. La soledad se muestra de diferentes maneras ya desde el mismo plano inicial con una iglesia con un ataúd y dos únicos presentes, el cura y John, con claro énfasis en la contraposición de un grupo de gente presente en el cementerio con la soledad de John como único asistente del entierro de uno de sus casos. Una ausencia que también se hace visible en las casas de los fallecidos, llena de objetos que sirven para describir a todas esas personas y que el protagonista utiliza para escribir emotivos discursos en los funerales. Las calles semidesiertas de viandantes o de coches pasando por las que pasea y los escasos diálogos que hay especialmente en el inicio son una muestra del aislamiento e incomunicación que rodean al filme. La vida rutinaria que lleva el personaje y su posterior cambio se traducen en una tipología de planos fijos que se mantienen durante todo el metraje y que encaja con la narración pausada con una fotografía melancólica, algunos de esos planos se repiten y logran crear un gran simbolismo, sobre todo en un desenlace que choca con el transcurso de la historia, que resulta dramático y bello por igual.

En el papel de John May se encuentra Eddie Marsan, un actor que ha trabajado en un sinfín de producciones británicas y americanas, ya sean películas o series de televisión, siempre desde un rol secundario. ‘Nunca es demasiado tarde’ supone su primer gran papel como protagonista, un personaje que destaca por ser excesivamente detallista en todo lo que hace y por su alto grado de humanidad por todos aquellas personas fallecidas y que él ha sido el único en tener en cuenta, pero que también tiene una evolución en el momento que se implica en su último caso y se abre un poco más con todas las personas con las que trata. Marsan encaja perfectamente en el papel y le aporta mucho realismo y emotividad a la película. Un actor que más allá de acompañarle secundarios como Joanne Frogratt, en un rol destacado para el propio protagonista en el tramo final, se encuentra la música compuesta por Rachel Portman con una partitura muy sencilla, pero también muy sentida y emotiva.

En una escena de la película, tras saber que será despedido, el jefe de John aparece en su despacho para hace una reflexión sobre su empleo. Comenta que los muertos, están muertos y los funerales son para los vivos, si no se sabe que han muerto no hay tristeza ni lágrimas. Unas palabras para las que John no tiene respuesta, ya que nunca se lo había planteado de esa manera. Una secuencia muy significativa que demuestra la falta de benevolencia y consideración a los que ya no están. Alejada de este discurso sin ninguna sensibilidad,

‘Nunca es demasiado tarde’ destaca por su emotividad y el magnífico retrato que hace de la soledad. Una película muy recomendable.

Sergio Montesinos 

Harry Dean Stanton: Partly Fiction

‘La leyenda del indomable’, ‘Alien: el octavo pasajero’, ‘1997: Rescate en Nueva York’, ‘Inland Empire’… y así hasta cerca de 250 películas donde el actor Harry Dean Stanton ha interpretado papeles de secundario. ‘Harry Dean Stanton: Partly Fiction’ permite conocer de forma cercana al veterano interprete a través de entrevistas, canciones que canta con significado y con fragmentos de algunas películas en las que ha participado. Un actor que como en muchos de sus filmes, no es muy dado a hablar demasiado de su pasado, un pasado del que prefiere contar lo justo, pero que lo poco que dice tiene mucho significado y que transmite cierta melancolía y poesía. Como comentan algunos de los entrevistados como los directores Wim Wenders (cuya película ‘París, Texas’ fue el primer papel protagonista del actor) o David Lynch, Dean Stanton es una persona espontanea e inocente, capaz de hacer del silencio una herramienta muy poderosa. Se define como un hombre solitario, nunca ha tenido una relación de larga duración con una mujer, tiene claro que el amor se encuentra cuando no te aferras a él. No le importa como lo recuerden, no cree en ninguna institución, en ningún Dios. Para Dean Stanton todo es una película, incluida la conversación que tiene en el documental.

La música tiene una relevancia destacada en la película, un modo de expresión que le resulta mucho más cómodo que las pocas palabras que utiliza para mostrarse a sí mismo. Todo el repertorio de canciones que interpreta, donde por supuesto está el tema principal de ‘París, Texas’, parecen tener un significado muy personal, letras llenas de sentimiento y nostalgia del pasado. Los fragmentos de varios de sus trabajos permiten rememorar y homenajear su extensa carrera de actor para compaginar con la personalidad introvertida y profunda que lo definen. La directora Sophie Huber, busca con la oscuridad de la noche, con el paseo en coche que le lleva hasta el bar al que va desde hace más de medio siglo, y con el blanco y negro que predomina en las grabaciones en su casa, hacer un retrato intimista del actor y captar el carácter de un hombre que en las películas apenas actúa ya que se interpreta sí mismo. Él en realidad no es nadie, sólo es Harry Dean Stanton.

Go Forth

El director Soufiane Adel nacido en Argelia, pero criado en Francia se hace muchas preguntas acerca de sus raíces y de su identidad. En ‘Go Forth’ cuenta con su abuela Taklit Adel, argelina pero residente en Francia, para que explique su pasado, un tiempo situado entre la Argelia colonial y Francia de finales del siglo pasado, país donde vive desde mediados de los años 50. La abuela del realizador es el epicentro de la película, la rememoración de sus experiencias en su estancia en Argelia de joven, con su padre político, que llegó a estar en la cárcel, su boda con un hombre algo mayor que ella con el que tuvo 18 hijos que se marchó a la Guerra de Indochina, y la importancia de la Guerra de la Independencia de Argelia como la detonante para que Taklit, llamada por su nieto como ‘Nana’, y sus hijos se fueran a vivir a Francia. Todos estos recuerdos y conversaciones que mantiene con la abuela construyen un árbol familiar que llega hasta el propio director, un chico que pese a ser argelino de nacimiento, no se siente magrebí ni musulmán, tan sólo un proletariado. El documental permite a Sufiane conocer y comprender con mayor exactitud sus orígenes y sus principios.

Más allá de la participación esencial de la abuela, siempre en un plano fijo en el sofá de su casa, Soufiane utiliza imágenes de archivo, como videos de familia, de su boda y material grabado en África, el continente de donde procede, para complementar las palabras y hacer más patente sus raíces y las de toda su familia. Pero pese a que lo que cuenta y lo que plantea es interesante, el qué está mucho mejor planteado que el cómo. La manera en que el realizador cuenta la historia utilizando el pasado y su voz en off expresando sus ideas identitarias, no acaban de plasmarse correctamente en la película y la acaban por perjudicarla. El uso de un drone que sobrevuela los suburbios parisinos y que presenta todo ese legado de la colonización llegado desde África, como es el caso de la familia Abdel, resulta una solución visual llamativa, pero su uso repetitivo no ayuda al desarrollo de la historia. ‘Go Forth’ es un proyecto muy personal e intimista por parte de Soufiane Abdel que desafortunadamente no genera un discurso tan llamativo para el espectador.

Sauerbruch Hutton Architekten

Hay edificios que cuando los vemos pueden llamarnos la atención por su arquitectura, pero no solemos pensar en el proceso creativo y de diseño que hay detrás de él como ocurre también con una silla o una manilla de una ventana. ‘Sauerbruch Hutton Architekten’, la última película del recientemente fallecido Harun Farocki, se centra en un grupo de arquitectos y los sus diferentes proyectos que llevan a cabo. El filme muestra, de manera paralela, las fases de elaboración de todos esos proyectos, desde la idea y el concepto, unos primeros diseños bidimensionales en ordenador o hechos en cartulinas que posteriormente pasan a ser maquetas en tres dimensiones o, como ocurre con las sillas plegables y las manillas, se hacen prototipos reales. Todo está minuciosa y perfectamente estudiado, creadores que se reúnen, debaten entre ellos y se hacen muchas preguntas con el fin de relacionar todos los elementos para lograr una mayor efectividad a todo el conjunto. La forma exterior y su organización interior y la manera que tiene de relacionarse con el entorno han de tener un sentido y un significado según el proyecto, como ocurre con el caso del centro de realidad virtual que se quiere construir en mitad del campo. La elección y mezcla del color y su función en cada construcción capaz de dar expresión, viveza e integración a la propiedad tiene mucha importancia.

El precio de los materiales, como las placas que quieren usar en el exterior los edificios, o la facilidad de construcción y la comodidad en su uso, en el caso de las sillas y las manillas, son factores esenciales para su posterior elaboración. Farocki graba este ensayo desde un punto de vista observacional para enseñar, al margen del proceso de diseño de sus diferentes trabajos (que destacan por su modernismo), las sinergias del equipo de trabajo formado por un grupo de arquitectos y diseñadores creativos alemanes. ‘Sauerbruch Hutton Architekten’ permite enseñar algo que habitualmente no se ve: el desarrollo creativo.

Sergio Montesinos

Ben O Degilim

Nihat es un hombre solitario que vive solo en su pequeña casa y trabaja en una cantina pelando patatas, fregando el suelo y lavando los platos. De los compañeros de trabajo destaca Aysa, una mujer que está interesada en él y que cuyo marido, que lleva varios años en prisión, tiene un parecido casi idéntico con Nihat. Aunque Nihat se muestra en un principio reticente a comenzar una relación con ella, poco a poco el vínculo es cada más cercano hasta que deciden llevar, pese al carácter introvertido de él, algo parecido a una relación de pareja que nunca ha tenido antes.

La similitud física juega un papel esencial en ‘Ben O Degilim’ (‘Yo no soy él’ en castellano), ya que Nihat va avanzando progresivamente hacia un cambio de identidad que supone también una impersonalización de su propio ‘yo’ para llevar una vida muy distinta a la que llevaba hasta ese momento. El filme puede considerarse como una película sobre dobles o doppelgangers que, sin llegar a tener una confrontación o disputa directa cara a cara de las personas idénticas como ocurre en el caso de la reciente ‘Enemy’ de Denis Vileneuve o ‘Inseparables’ de David Cronenberg, sí que consigue generar una ambiente de misterio e inquietud como sucede en esas películas, siendo ésta completamente distinta, sobre todo por el humor negro que rodea la historia y en especial algunas escenas que se caracterizan por su absurdidad y por el giro que acontece la trama a mitad de película, donde Nihat decide abandonar de manera definitiva su persona para convertirse en el marido criminal encarcelado de Nihat. Sin saber qué dirección tomar, una serie de rocambolescas e inverosímiles casualidades le plantean diferentes oportunidades, pero también peligros.

El director y guionista Tayfun Pirselimoglu muestra todos esos asuntos utilizando una puesta en escena que destaca por su minimalismo, con constantes repeticiones de planos fijos enmarcados en los que se encuentran objetos metafóricos y significativos como son los espejos, para expresar el reflejo de la propia identidad. Los escasos diálogos no desfavorecen el ritmo pausado, que no resulta ser aburrido gracias a un guión muy sólido. Una de las películas más curiosas y llamativas de lo visto en el festival.

Ventos de agosto

En algún lugar situado en la costa tropical y rural de Brasil vive una comunidad caracterizada por su rutina y cotidianidad. ‘Ventos de agosto’ se centra en una pareja de adolescentes, Jeison y Shirley, que trabajan en la recogida de cocos, siendo ella la encargada de conducir el camión lleno de fruta. Un oficio que compaginan navegando por el mar, él buceando y pescando y ella para escuchar música y broncearse. Ambos también cuidan de sus familiares, la abuela (imagen de la vejez –vida cruel-, y por tanto, contrapuesta a la juventud –buena vida-) en el caso de Shirley y Jeison de su padre. Dos jóvenes que no parecen tener demasiadas aspiraciones en la vida, acomodados en sus costumbres y repeticiones diarias.

El director brasileño Gabriel Mascaro se mueve entre la ficción y el documental para mostrar las prácticas de los habitantes del lugar y deja que la imagen y el sonido sean tan protagonistas como los dos jóvenes. Mascaro capta las imágenes con un gran poderío visual gracias también a la belleza del paisaje y les otorga una función narradora en un filme que no tiene una historia definida que encuentra en la unión de la naturaleza y la muerte dos factores omnipresentes en la película. La grandeza de la naturaleza capaz de mostrar rocas que respiran y vientos (capturados por un hombre que los mide y los graba) que auguran una gran tormenta tropical se armoniza con la muerte a través del mar. “Los que mueren aquí no van ni al cielo ni al infierno, van al mar” comentan en un momento de la película, un mar capaz de absorber y arrastrar cadáveres que llevan años en las pequeñas lápidas al borde de la costa. Precisamente es un cadáver en proceso de descomposición encontrado en las aguas el que consigue romper con la rutina de Jeison hasta llegar a obsesionarlo y llevarlo consigo cosa que genera momentos surrealistas y humorísticos.

Como ocurre en la anterior película comentada, ‘Ventos de agosto’ no recurre demasiado a los diálogos, tampoco aportan demasiada información, es un filme que subraya más los aspectos visuales y sonoros que los de la propia palabra. Una película hecha de momentos para ser observada.

Al doleia joc

“No se puede hacer una película con esto. (…) Sólo es un Steaua-Dinamo sobre la nieve”. Este comentario define ‘Al doleia joc’ de Corneliu Porumboiu, una película que une al propio director y a su padre Adrian, árbitro de aquel partido de 1988, viendo y comentando el clásico por excelencia de la liga rumana de fútbol, un partido de gran rivalidad y repercusión en el país. El ex-árbitro explica que no únicamente jugaban jugadores sino que detrás estaban poderosas instituciones como el ejército, que iba con el Steaua y la policía secreta con el Dinamo. La relevancia era tan grande que ambos equipos intentaron influenciarlo para ganar. Conjuntos que tenían en la propia liga equipos satélite y subordinados por ellos mismos. Los dos equipos tenían gran potencial a nivel europeo en aquella época, el propio Steaua ganó frente al Barcelona la Copa de Europa en 1985 y fue finalista en 1988.

El partido que se emite en su totalidad únicamente con las voces de padre e hijo, sirve para ver los cambios que han sufrido las reglas del fútbol y el propio arbitraje, beneficiando así el espectáculo. El director compara en tono de broma el partido con su filmografía de películas largas y en las que no pasa nada. Un curioso y futbolístico experimento paterno-filial.

Sergio Montesinos 

Escolta

Desde 1984, la escuela de primaria Tres Pins de Barcelona aplica su modelo educativo a partir de un proyecto bilingüista impartiendo las clases en el lenguaje oral habitual juntamente con el lenguaje de signos. El profesor, que se dirige a los alumnos oyentes, trabaja simultáneamente con un logopeda que se encarga de traducir la información a los niños sordos. El cortometraje documental ‘Escolta’ muestra el día a día de ese colegio y permite observar cómo se trabaja a través de las grabaciones de diferentes cursos que engloban desde parvulario hasta sexto de primaria para mostrar la manera de expresarse ya sea hablando y/o gesticulando. Actividades grupales como pueden ser representaciones teatrales, narraciones de cuentos o el tiempo libre que tienen en el patio permiten a los alumnos relacionarse y entenderse los unos con los otros. Los oyentes se adaptan y aprenden el lenguaje de los signos y se compenetran con los alumnos sordos que realizan las mismas actividades de manera igualitaria y completamente normalizada. Fantástica iniciativa bien plasmada en las imágenes.

Salóme

La directora Yrsa Roca Fannberg viaja a Islandia para grabar a su madre, una artista que se ha ganado la vida haciendo tapices y pintando cuadros. La madre, Salóme, da nombre a un documental que transita entre el arte y la vida con el fin de conectar ambos conceptos. Una película que se fundamenta en el carácter reacio de la protagonista, que no se muestra cómoda siendo grabada constantemente con planos secuencia de larga duración. Las respuestas que da a las cuestiones que le plantea su hija son excesivamente secas y antipáticas. Le molesta hablar de su enfermedad (que no sé sabe cuál es), de su pasado y del arte, pero Fannberg, con mucha paciencia e insistencia, logra mostrar Salóme tal y como es. Las obras textiles y pictóricas no sólo sirven para presentar su trabajo, que ha sido su vida, sino que parece ser el único modo representativo de expresar sus sentimientos y hechos de su pasado. Pero no todo son palabras, la directora silencia y congela a su madre, “los documentales van sobre gente que hace cosas, no posan haciendo cosas ridículas” se queja Salóme tras estar inmóvil cubierta con una bufanda que ella misma tejió.

Los coloristas paisajes islandeses, la ciudad fantasma con pisos a medio hacer y algunas fotografías consiguen brevemente alejar la acción del interior de la casa, el espacio donde se desarrolla la película. La directora más que tratar de grabar a su madre, mira de presentar la soledad que la acompaña constantemente, una soledad marcada por enamorarse de los hombres equivocados (varios divorcios son prueba de ello) y por los demonios interiores que le persiguen: la vida y la muerte. ‘Salóme’ es un intimista retrato de la colisión del vínculo materno-filial entre dos personas muy distintas.

Bae bizitzetako bat

En la unión del material grabado en un viaje a París y unos escritos leídos en voz en off el realizador Aitor Gametxo Zabala hace una reflexión de la vida en boca de otra persona en el corto ‘Bae bizitzetako bat (Una de sus vidas)’. Miradas que no se encuentran, representaciones del amor en las lápidas del cementerio, el cine lleno de vida y una vida llena de cine. Unas vidas que se encuentran en las fotografías y que están grabadas de improvisto por unos turistas que no son más que forasteros y que regresan por un camino incapaz de ser filmado. Pensamientos que fusionados con las imágenes consiguen un resultado poético y metafórico.

La prima bastarda de Stephen Dedalus

‘La prima bastarda de Stephen Dedalus’ se podría definir como un rompecabezas con piezas diferentes destinadas a encajar. A través de los personajes de Stephen Dedalus, alter ego del escritor irlandés James Joyce, y una persona llamada R, la directora Marla Jacarilla crea y narra una historia dividida en diferentes actos donde las fotografías guiadas por flechas toman el protagonismo al tratar de unir ambos personajes distintos obviando la teoría de los seis grados de separación de Frigyes Karinthy y hacer verosímil lo inverosímil.

Lo que en un primer instante parece imposible de hacer coincidir, a medida que avanza este corto que niega serlo, las casualidades rocambolescas comienzan a aparecer: una cita escrita en el calcetín de R de pequeña que resulta ser de Joyce, una camiseta comprada en Dublín por R donde aparece el escritor e incluso la misma forma de las arrugas de los manteles. Dos seres que vivieron en un espacio y tiempo diferentes pero que están forzosamente ensamblados de manera irracional y humorística. Un experimento que según comentó la propia directora en el pase es una investigación de cómo será la literatura en el futuro y hacer de lo cotidiano algo extraordinario.

Movie

El cine puede entenderse como una forma de evasión del mundo real, una fábrica de sueños donde todo es posible. ‘Movie’ de Meritxell Soler es una reflexión sobre la construcción de hacer realidad el sueño de hacer películas. Una pasión por el cine transmitida por su padre que grababa a ella y sus hermanos de pequeños actuando en películas filmadas con una cámara Super-8. Los sueños son el leitmotiv principal de este viaje personal por Estados Unidos, país donde se encuentran las más poderosas industrias del cine y Hollywood, su meca particular.

Un filme estructurado y construido a través de diferentes capítulos o segmentos, siempre acompañado por la voz y los pensamientos oníricos de la directora, guía de su odisea particular por tierras americanas y localizaciones cinéfilas. Las iglesias de ‘Kill Bill’ y ‘Los pájaros’, la casas de ‘La noche de Halloween’ y ‘Psicosis’ o la carretera donde se da lugar la escena más famosa de ‘The French connection’ son algunos de los muchos lugares icónicos que aparecen en el documental juntamente con otros sets de películas o rodajes. Aparte de los espacios también enseña una parte fundamental en el cine hollywoodiense: el star-system formado por glamurosos actores y actrices mitificados y devorados por la propia industria e inmortalizados en el Paseo de la Fama de Los Ángeles. Un mundo que detrás de las cámaras no deja de ser una gran mentira, algo irreal. La directora acerca diferentes aspectos cinematográficos, pero la repetición del mensaje desfavorece el resultado final de un proyecto muy personal, algo que viene siendo habitual en esta edición del festival.

Brûle la mer

A finales de 2010 y principios de 2011 tuvieron lugar revoluciones en diferentes países árabes. Túnez fue uno de esos países cuyos habitantes salieron a la calle para manifestarse y derrocar a su presidente. La complicada situación que vivían los ciudadanos y la represión por parte de la policía, provocó que un gran número de tunecinos decidieran marchar y comenzar una nueva vida en Europa, ‘Brûle la mer’ se centra en la memoria y pone voz a algunos de esos jóvenes, destacando por encima de todos a Maki Berchache, codirector de la película junto a Nathalie Nambot que se conocieron en la lucha de los tunecinos sin papeles en París. Sus razones para abandonar Túnez y su odisea por Europa ocupan buena parte del primer tramo del filme en el que su voz está acompañada por un oleaje agitado y violento por la revolución que llevó a Maki y muchos otros a embarcarse en la costa tunecina hasta mar adentro, símbolo de libertad y de vida, para llegar hasta Lampedusa y, recogido por los guardacostas, llegó hasta Italia, la primera parada de lo que debería haber sido un nuevo comienzo hasta su llegada a Francia, donde llegó y fue tratado como ilegal por el gobierno del por entonces presidente Nicolas Sarkozy junto con otros compatriotas tunecinos que vieron, pese a sus protestas, como les negaban los papeles y el derecho a una vivienda. Europa, una falsa tierra de oportunidades, que prefiere cerrar fronteras a solucionar los problemas de los inmigrantes.

La mala época vivida en Francia, país que Maki confiesa odiar, le hizo volver a su Túnez natal, ya liberada de Ben Ali, antiguo presidente, y seguir con su vida en una tierra donde el tiempo pasa mucho más lento. El documental rodado en dos años permite seguir a varios testigos de la revolución y su escaso éxito fuera de su tierra, un lugar abierto a los turistas europeos, gente que puede permitirse salir de su país y escapar de su rutina, un capricho y una liberación que los tunecinos no pueden acceder fácilmente fuera de su país.

El filme relata todos los casos de manera distinta e interesante y con unas técnicas llamativas llenas de simbolismo y metáforas. Los paisajes como la costa o una calle oscura parisina toman el protagonismo visual y se combinan con imágenes grabadas en Super-8 y 16 mm que dan a algunas escenas, como la entrevista de Maki en los edificios altos o la llegada al poblado de sus padres, un aspecto añejo muy conseguido. Especialmente bien tratado es la combinación entre imagen y sonido, sobre todo en las escenas que repasan las fotografías de las manifestaciones tunecinas en París, donde el audio extradiegético es el de las propias concentraciones sin hacer uso en esa ocasión de las imágenes de archivo y otras grabaciones. La cámara se aproxima a testimonios que ven Túnez como una tierra sin futuro, algunos se aferran a la fe y a la esperanza, para seguir llevando su vida de la mejor manera posible. ‘Brûle la mer’ es según las palabras de sus directores, una película que quiere quemar fronteras y una sociedad capitalista.

Sergio Montesinos

Vaters Garten

Mis padres han sido, son y espero que sigan siendo una figura esencial y clave en mi vida, dos personas que me han guiado para ser la persona que soy ahora. Hemos tenido nuestros desencuentros, por supuesto (y más siendo un adolescente), pero nada que no se haya podido hablar y solucionar posteriormente y a día de hoy no creo que la buena relación que tenemos vaya a corromperse. El caso de Peter Liechti, director de ‘Vaters Garten’, es muy distinto, un hombre que cuya tensa relación con sus padres se traduce, como él mismo explica en el inicio, en un violento e incómodo encuentro casual con su padre. Ese tropiezo fortuito entre ambos hizo a Liechti decidirse por filmar un documental para averiguar los motivos reales de su distanciamiento y conocer la vida que llevan sus ancianos padres.

En ‘Vaters Garten’ el director cumple dos papeles, el de observador y el de entrevistador, siempre detrás de cámara. A simple vista sus padres llevan una vida completamente normal a su edad, pero es cuando se centra en cada uno de ellos donde se aprecia que son dos personas muy distintas. El retrato de ambos ocupa mucho más tiempo que las razones sobre las diferencias entre sus padres y él, basadas en unas perspectivas y unos puntos de vista diferentes, marcados en una etapa juvenil rebelde por parte del director que provocó que sus padres se avergonzaran de él. Un padre que fomenta su día a día en ir al gimnasio, quedar con sus amigos y cuidar su rincón favorita, su jardín al que le dedica gran parte de su tiempo. La madre en cambio es una mujer solitaria (confiesa que de pequeña no la dejaban jugar con otras niñas) a la que le gusta leer y adentrarse en las historias y que es muy creyente. El matrimonio suizo está anclado en una mentalidad conservadora y machista, aspectos que su mujer acepta con total normalidad.

Liechti compagina las imágenes de la pareja con una teatralización con títeres de conejos que representan a sus padres con sus propias voces en un espacio íntimo, donde se hablan y se sinceran mutuamente y con su hijo, representado de forma humano y con hilos. Tras más de 60 años de casados, las dos personalidades opuestas han sabido convivir juntas en un matrimonio hueco muy lejos de ser idílico y feliz en un documental muy representativo de un estilo de vida y un descubrimiento para el propio director.

Naomi Campbel

Un cambio de sexo es lo único que parece tener claro Yermén, la protagonista de ‘Naomi Campbel’. Una mujer en un cuerpo de hombre que trabaja de tarotista telefónica, una amante de lo oculto e espiritual que predice el futuro de la gente que llama a la centralita. La operación que desea y que busca en un reality de televisión, quiere servirle, más allá de la búsqueda de la apariencia femenina, como una oportunidad para la reinvención personal.

La película circula a partir de dos puntos de vista, el que dan los propios directores, Nicolás Videla y Camila José Donoso, y el de la propia Yermén. El primero es una visión contemplativa de su vida, una chica que no acaba de encontrarse a sí misma ni valora suficiente aquellas personas que la quieren, como su compañero sentimental, al que utiliza cuando quiere. El segundo punto de vista es el perteneciente exclusivamente a Yermén, una mirada mucho más introspectiva al utilizar una cámara de vídeo que sirve para observar y escuchar, como si se tratara de un diario personal filmado, todos sus pensamientos y reflexiones. Un tronco enorme mostrado como si fuera una entrada y salida de las almas a otra dimensión es para ella una manifestación misericordiosa, su rincón favorito y nostálgico que se opone con esos perros que graba en la noche y que compara con todos esos hombres que huyen en su presencia y a los que guarda un profundo odio.

La presencia de una chica que quiere operarse para parecerse a la modelo Naomi Campbell, canon de belleza, fama y dinero, es una demostración de la idea que existe sobre las oportunidades que puede suponer una transformación -en el caso de esta película, física-, para cambiar de vida. El espectador se pregunta qué hay de realidad y que hay de ficción en el filme, una cuestión complicada de responder, lo que sí es evidente es que la vida nos mira y la miramos de frente cuando conseguimos aceptarnos y admitirnos a nosotros mismos, ya que la sociedad en la que vivimos está más habituada en discriminar que en aceptar.

ReMine: El último movimiento obrero

A mediados de 2012 el sector minero se manifestó en contra de los severos recortes en las ayudas del carbón por parte del Gobierno español. ‘ReMine: El último movimiento obrero’ es un documental que enseña todo lo ocurrido durante esos meses de lucha. Su director, Marcos Martínez Merino, se adentra con su cámara en los diferentes escenarios como si se tratara de un minero más y refleja el movimiento obrero asturiano que luchó (y sigue luchando) por sus ideales en un completo documento visual que engloba muchas vertientes iniciado por el encierro de algunos mineros y la huelga indefinida en las minerías, siguiendo por las concentraciones y los cortes de tráfico con árboles y barricadas y enfrentamientos con la policía. La marcha que realizaron un gran número de mineros por carretera desde Asturias a Madrid, un recorrido de más de 400 km, tiene un gran tratamiento en el filme, donde destaca el apoyo y la solidaridad de los habitantes de los pueblos, para llegar hasta la Puerta del Sol donde una gran multitud de gente los recibió de noche, un hecho que provocó grandes momentos de emoción por parte de los mineros y que se transmiten en la película.

Las mujeres de los mineros también tienen protagonismo en este documental al convocar diferentes manifestaciones y concentraciones a favor de sus maridos. Martínez Merino busca dar voz a las mujeres de aquellos mineros, que bien pueden denominarse héroes, como ellas mismas cuentan, que decidieron encerrarse bajo tierra durante un periodo de tiempo de dos meses.

La minería se entiende como una forma de vida, las imágenes de archivo, como fotografías o documentos televisados de la BBC sobre las huelgas mineras en la época franquista, son buena prueba de ello al igual que esos himnos como ‘Santa Bárbara Bendita’, usado de forma frecuente en la película y que sirve de banda sonora. Las reuniones que mantuvieron con el Gobierno fueron un fracaso y el apoyo de los sindicatos nulo, pero la dignidad de esos trabajadores, que decidieron desconvocar la huelga, se mantuvo intacta durante esos meses. ‘ReMine’ consigue con su proximidad presentar a esos mineros que defendieron sus derechos. La película más aplaudida en lo visto en L’Alternativa.

Slimane

La última película vista en el festival fue ‘Slimane’, única representable española en la sección oficial de largometrajes, un retrato sobre la vida de un grupo de jóvenes inmigrantes en tierra española. De la pandilla de jóvenes magrebíes destacan Slimane y Moha, muy unidos el uno del otro. Su día a día se basa en colarse en fincas vacías donde comer, dormir y lavarse, jugar a baloncesto y fútbol, ir a discotecas con sus colegas y conseguir un euro al estacionar los carros de la compra de la gente. Una vida muy poco productiva salvada por el trabajo ocasional y esclavizado en una obra con un mísero sueldo como premio, si es que les acaban pagando.

Los diálogos se vuelven intranscendentes en un filme donde la presencia de los personajes lo es todo. Unas presencias vacías, huecas, los chicos divagan y hacen su vida en zonas de extrarradio desérticas llenas de rocas y piedras quemando el presente, sin ninguna mirada clara hacia el futuro. Un suceso ocurrido a mitad de la película genera en Slimane una preocupación y angustia que probablemente no había tenido antes, un sentimiento de culpa que le va invadiendo de manera paulatina, nada parece importar, mientras los demás compañeros se divierten, él pierde la mirada, ha perdido parte de sí mismo. El primer largometraje de José Ángel Alayón se construye primero de la indolencia y finalmente por la desesperanza. El país de las oportunidades resulta ser un rocoso páramo sin ninguna perspectiva alcanzable.

El director, acompañado por el director de fotografía y el montador, explicó al finalizar la proyección el tratamiento inusual de la planificación del rodaje que se caracterizó por dejar el guión abierto a las sugerencias de los propios personajes, ellos mismos generaban los diálogos y muchas de las situaciones. La película se basa a partir de la historia real de Slimane, que vivía en la calle, para luego añadirle elementos de ficción a un argumento que fue evolucionando. Un crudo retrato de la inmigración que cierra el círculo de uno de los leitmotivs de esta 21ª edición de L’Alternativa.

Sergio Montesinos

Título original: ‘Body of lies’. Año: 2008. Duración: 123 min. País: Estados Unidos. Director: Ridley Scott. Guión: Ridley Scott. Fotografía: Alexander Witt. Música: William Monahan. Reparto: Leonardo DiCaprio, Russell Crowe, Mark Strong, Michael Gaston, Ali Suliman. Productora: Warner. Bros. Género: Acción. Estreno (Estados Unidos): 10/10/2008. Estreno (España): 07/11/2008.

Si hay un país obsesionado en erradicar el terrorismo ese es Estados Unidos. Fue tras los atentados del 11 de septiembre cuando el gobierno norteamericano, lleno de furia y de venganza, decidió llevar grandes aglomeraciones de sus tropas a diferentes países árabes para comenzar o recomenzar una guerra contra los terroristas de Al Qaeda. Una época y un tema convulsos que ha sido llevada al cine ya sea de manera directa o indirecta. ‘Red de mentiras’ entra en la segunda categoría para ser en su mayor medida un filme sobre el espionaje en tierra hostil.

La película arranca con la inmolación de un grupo de islamistas tras verse rodeados por la policía en su apartamento en Manchester donde preparaban un atentado, una potente escena introductoria que demuestra la globalización del terrorismo y de la célula islámica comandada en la película por su líder Al-Saleem, objetivo de la CIA. Dos hombres son los principales responsables de darle caza: Roger Ferris (Leonardo DiCaprio) y Ed Hoffman (Russell Crowe). El primero es un agente que se encarga de operar en el terreno, mientras que Hoffman es el que da las órdenes. Unas órdenes que da es un su mayoría no tan sólo a miles de quilómetros de distancia, sino desde su casa, llevando a su hijo al colegio o viendo a su hija jugando al fútbol desde la más absoluta frialdad y comodidad digna de un burócrata a la hora de dar las indicaciones a Ferris e incluso preparar operaciones paralelas a la principal que perjudican en el trabajo de su agente de campo. Unas formas de trabajar y de dar órdenes poco elogiables por parte de una organización tan importante como la CIA, un aspecto que en la película se remarca de manera destacada.

Ridley Scott ha sabido moverse en diferentes géneros cinematográficos y adaptarse a las exigencias de las historias que se acontecían con suerte dispar. Responsable de películas destacadas como ‘Alien: el octavo pasajero’, ‘Blade Runner’, ‘Thelma y Louise’ o ‘Gladiator’, ha sabido no estancarse como sí ocurrió con su hermano Tony Scott, que centró gran parte de su filmografía en el género de acción y que, por cierto, dirigió en 2001 ‘Spy Game’, una película de espías con algunos paralelismos con la que rodaría su hermano Ridley. ‘Red de mentiras’ se beneficia, más allá del interesante argumento, de la agilidad en como suceden los acontecimientos y de la incorporación de un tercer personaje, Hani Salaam (Mark Strong), jefe de inteligencia jordano que complementa a los dos principales y que conforme avanza la película adquiere más protagonismo. Al tratarse de un filme de espías, las escenas de acción no escasean, secuencias que Scott rueda apoyándose en la tensión previa y a las que le da bastante dinamismo y que ayudan a que el filme no acabe encallándose.

El monólogo inicial de Hoffman sobre la guerra contra el terrorismo que proponen algunos grupos islámicos con una interesante reflexión acerca de la confrontación entre hombres del futuro (agencias de inteligencia) y hombres del pasado (organizaciones terroristas que prefieren contactar cara a cara y desestimar la tecnología para comunicarse para no ser identificados) y la creación de un célula islamista ficticia para conseguir detener a Al-Saleem son dos de las principales bazas de la película, que no acaba de profundizar, puede que no lo pretenda, ni en la historia ni en los personajes. Todas las subtramas desembocan hacia la principal (encontrar a Al-Saleem), incluida la tópica pero efectiva trama amorosa entre Ferris y Aisha, la enfermera jordana.

Ridley Scott siempre ha tenido la suerte de contar con llamativos repartos en sus películas. En ‘Red de mentiras’ Leonardo DiCaprio, en su primera participación con el director, y Russell Crowe, actor que más ha participado en la filmografía del realizador, son los actores destinados a pilotar el filme. No puede decirse que tengan los mejores papeles de su carrera, pero su carisma ayuda en momentos concretos, sobre todo en el caso de Crowe. Nada desdeñable es la aparición de Mark Strong como Hani, un hombre calmado al que no le gustan que le engañen o le traicionen.

Espionaje y terrorismo convergen en una película que se aleja de panfletos y se dedica a mostrar de un modo lo más realista posible, teniendo en cuenta que es una película dirigida a las grandes masas, la lucha contra los grupos terroristas de Oriente Medio. ‘Red de mentiras’ no es de las mejores en su género, pero consigue convencer gracias a su atractiva historia y su buen reparto.

Sergio Montesinos

• 30 curiosidades que (probablemente) no sabías de Ridley Scott.

Título original: ‘St. Vincent’. Año: 2014. Duración: 103 min. País: Estados Unidos. Director: Theodore Melfi. Guión: Theodore Melfi. Fotografía: John Lindley. Música: Theodore Sapiro. Reparto: Bill Murray, Melissa McCarthy, Naomi Watts, Chris O’Dowd, Jaeden Lieberher. Productora: The Weinstein Company. Género: Comedia/Drama. Estreno (Estados Unidos): 17/10/2014. Estreno (España): 12/12/2014.

“Los santos son seres humanos que celebramos por su compromiso y dedicación a los demás seres humanos”. Esta frase dicha por el hermano Geraghty (Chris O’Dowd), profesor del joven Oliver (Jaeden Lieberher), no parece encajar de inicio con la forma de ser de Vincent McKenna (Bill Murray), un viejo cascarrabias que vive solo con su gato al que no le gusta la gente y a la gente no le gusta él, un hombre además con unas rutinas poco recomendables como beber en exceso, apostar demasiado dinero en las carreras de caballos o visitar asiduamente clubs de striptease. La llegada del pequeño Oliver junto con su madre Maggie (Melissa McCarthy) a la casa de al lado modifica de manera substancial la vida de ese viejo gruñón, sobre todo en el momento en el que tiene que hacer de niñero improvisado del chico.

Theodore Melfi debuta en la dirección de un largometraje con ‘St. Vincent’, un filme que transita entre la comedia y el drama sentimental de una manera muy cuidada y estudiada de modo que el espectador pasa y experimenta diferentes estados ánimo durante su visionado para dejar al final una sensacional agradable. El objetivo que tiene el director es profundizar más allá de los muchos defectos de Vincent para conocer quién es verdaderamente este personaje engreído y soberbio, porque, como sucede en la vida real, las apariencias muchas veces engañan. La presencia de Oliver es fundamental para averiguar más sobre Vincent y sus desaconsejables hábitos. Como cabe esperar, la relación entre ambos se estrecha y pese a no ser un canguro ideal, Vincent poco a poco se muestra de manera involuntaria como una figura paternal, un hombre que pese a sus innumerables carencias es capaz de enseñarle a Oliver a ser mejor. Una alternativa al padre que apenas ve y que quiere apartarlo de su madre que trabaja en el hospital hasta tarde con tal de ganar lo suficiente para poder llevar una vida lo más normal posible. Vincent es el núcleo del filme, pero los personajes que lo rodean también están lo suficientemente desarrollados para poderlos entender, porque esta película trata (y dedica bastante tiempo) en conocer y entender los comportamientos de sus personajes y lo logra con suma sencillez para conseguir una empatización con el espectador.

El tratamiento de los personajes minimiza y enmascara las deficiencias de la propia historia, un argumento que ya está visto con anterioridad y que destaca por ser corriente e incluso predecible, pero al contrario de Vincent, la película sí tiene un caballo ganador y ese no es otro que Bill Murray. Hay que retroceder bastantes años en la filmografía del actor para encontrar un papel suyo tan importante y tan bueno como el que tiene en ‘St. Vincent’. No sólo logra hacer una gran interpretación gracias al gran carisma que le ha caracterizado siempre, sino que también hace mejor a la película y a los actores y actrices que interactúan con él. A Murray se le ha conocido por su faceta de actor cómico en la gran parte de su carrera, pero también ha sabido adaptarse a las comedias dramáticas como ‘Life Aquatic’ o en filmes más cercanos al drama pese a sus momentos cómicos como ‘Lost in translation’. En ‘St. Vincent’ esos dos géneros antagónicos unidos y mezclados funcionan como si se tratara de una balanza conforme se van conociendo con más detalle a los personajes. Maggie, Oliver y el propio Vincent pueden definirse como unos personajes que se mueven entre la desgracia. Ella hace malabares laborales para poder comenzar una nueva vida con su hijo en pleno proceso de divorcio, la complexión y mentalidad débil de Oliver le acarrean inicialmente problemas con algunos compañeros de clase y Vincent vive de manera amargada e infeliz por sus propios problemas personales. La exploración de estas personas poco afortunadas deriva irremediablemente al drama, pero la mayoría de las veces acompañados de unas agradecidas secuencias cómicas capitaneadas o iniciadas por el propio Murray.

La química del veterano actor con el resto del reparto, sobre todo con el joven y debutante Jaeden Lieberher, es muy notable. Pero si bien Murray se muestra como pez en el agua (incluso en los créditos finales), también merecen comentario las interpretaciones de las dos actrices que lo acompañan y que se distancian de sus habituales papeles. Melissa McCarthy deja a un lado su comicidad para enfrentarse a un papel dramático, ella es justamente la protagonista de una de las escenas más emotivas del filme. En el otro extremo se encuentra Naomi Watts en el papel de Daka, una prostituta rusa (o una ‘dama de la noche’ como diría Oliver) que aparte de satisfacer sexualmente a Vincent, le sirve de apoyo y de consejero en los momentos más delicados.

Las grandes diferencias entre esas personas no evita que se unan en busca de la redención y la felicidad para vivir de la mejor manera posible. ‘St. Vincent’ oscila entre la comedia y el drama para contar una historia construida a partir de sus particulares personajes y que confirma una vez más a Bill Murray como el gran actor que es. Santificado sea tu nombre, Bill.

Sergio Montesinos 

Esta mañana hemos podido asistir en la sede de Gas Natural Fenosa en Barcelona a la lectura de las nominaciones de la segunda edición de los Premios Feroz que entregan la Asociación de Informadores Cinematográficos de España y que presentará la actriz Bárbara Santa-Cruz el 25 de enero en el Gran Teatro Ruedo Las Ventas en Madrid.

Estos son los nominados a los Premios Feroz 2015:

Mejor película dramática

’10.000 km.’, de Carlos Marqués-Marcet

‘Hermosa juventud’, de Jaime Rosales

‘La isla mínima’, de Alberto Rodríguez

‘Loreak’, de Jon Gareño y Jose Mari Goenaga

‘Magical Girl’, de Carlos Vermut

Mejor comedia

‘8 Apellidos vascos’, de Emilio Martínez Lázaro

‘Carmina y amén’, de Paco León

‘Justi & Cia’, de Ignacio Estaregui

‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’, de Javier Fesser

‘La vida inesperada’, de Jorge Torregrosa

Mejor dirección

Jon Gareño y Jose Mari Goenaga por ‘Loreak’

Paco León por ‘Carmina y amén’

Carlos Marqués-Marcet por ’10.000 km.’

Alberto Rodríguez por ‘La isla mínima’

Carlos Vermut por ‘Magical Girl’

Mejor actriz protagonista

Barbara Lennie por ‘Magical Girl’

Natalia Tena por ’10.000 km.’

Ingrid Garcia-Jonsson por ‘Hermosa juventud’

Carmina Barrios por ‘Carmina y amén’

Elena Anaya por ‘Todos están muertos’

Mejor actor protagonista

Raúl Arévalo por ‘La isla mínima’

Luis Bermejo por ‘Magical Girl’

Javier Cámara por ‘La vida inesperada’

Javier Gutiérrez por ‘La isla mínima’

David Verdaguer por ’10.000 km.’

Mejor actriz de reparto

Itziar Aizpuru por ‘Loreak’

Nerea Barros por ‘La isla mínima’

María León por ‘Carmina y amén’

Carmen Machi por ‘8 Apellidos vascos’

Yolanda Ramos por ‘Carmina y amén’

Mejor actor de reparto

Jesús Carroza por ‘El Niño’

Karra Elejalde por ‘8 Apellidos vascos’

Eduard Fernández por ‘El Niño’

José Sacristán por ‘Magical Girl’

Antonio de la Torre por ‘La isla mínima’

Mejor guión

Carlos Marqués-Marcet y Clara Roquet por  ’10.000 km.’

Jaime Rosales y Enric Rufas por ‘Hermosa juventud’

Alberto Rodríguez y Rafael Cobos por ‘La isla mínima’

Jose Mari Goenaga, Aitor Arregi y Jon Garaño por ‘Loreak’

Carlos Vermut por ‘Magical Girl’

Mejor música original

Julio de la Rosa por ‘La isla mínima’

Pascal Gaigne por ‘Loreak’

Rafael Arnau por ‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’

Roque Baños por ‘El Niño’

Lucio Godoy y Federico Jusid por ‘La vida inesperada’

Mejor tráiler

’10.000 km.’

‘8 Apellidos vascos’

‘Carmina y amén’

‘La isla mínima’

‘Magical Girl’

Mejor cartel

‘A escondidas’

Serie #creoencarmina de ‘Carmina y amén’

‘La isla mínima’

‘Loreak’

‘Magical Girl’

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